【編劇心態】編劇應具備的「心體技」

 

小時候受到日本動漫的薰陶,每回主角在修行時,師匠總會針對「心體技」三方面給予磨練與提升,今天小農回想起這三個字,不禁虎軀一震(什麼跟什麼= =),心中洋溢著頓悟的爆發性吶喊:「編劇不也有所謂的心體技嗎!!!???」



是的,其實小農陸續收到一些問題,都在好奇:「老師,你一直很專注在編劇的技巧上,難道編劇靠的就是技巧,所謂的創意、靈光與人生體悟,難道都只是幻覺嗎?」剛好便從心體技這三個方面來解答這個問題。



「技」很容易理解,就是技巧。技巧是你的表達能力與邏輯,理解每個結構、安排、選擇與取捨的優勝劣敗,可以很直接的提升你劇本的素質,提升技巧,可以使相同題材類似議題的故事,變得更觸動人心、更受歡迎甚至更具有藝術價值。技巧是透過學習與練習,最容易成長的部分。



「體」是身體力行、持之以恆。就算你有前無古人的絕妙創意、後無來者的精湛絕技,你終究需要坐到電腦前,靜下心,一個字一個字的將思緒化成文字,這個過程痛苦而漫長,因為創作過程有苦有樂、有順利也有停滯,你可能必須在工作的繁忙、生活的繁瑣與人際的煩亂中持續這個難受的過程,所以這可能是編劇最關鍵也最難達到的一種能力。



「心」則是多數人對編劇的想像:天馬行空的想像力、精彩的點子與對人性深刻的觀察與體會。除了這些,小農還建議如何你要當個編劇,你最好還能有一顆開放與寬容的心胸,這樣你才能真正去接受與理解你劇本中的每一種立場、每一個角色,否則寫出來的戲最後都會淪為政令宣導與說教。



有技無心,你的作品也許有高潮迭起、有伏筆、有意外,但看起來就是似曾相識,了無新意;有心無技,表達能力跟不上你無窮的創意,看起來的作品就是雜亂無章、漫無焦點。



多數有熱情的編劇,都是「體」的狂熱者,因為他們樂在這種工作型態,有很好的「心」,卻在「技」的部分缺乏,導致許多創意沒有被好好落實,變成自我滿足的作品。



在成為編劇的路上,每個人都在這三個方面上各有不同的程度與造詣,而「體」與「心」很難教,只能靠著自我要求的紀律和生命階段的體驗來成長,唯獨「技」是能夠透過學習與練習成長的。



我想我能夠做的,就是讓更多的人在等待「心」的出現時,能夠在「技」的方面做好準備。




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從《出神入化》看腳本幻覺


 

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今天我們要再利用《出神入化》,談談透過戲劇的鋪陳,能夠產生的幻覺。



編劇有很多時候,都在努力找一個解釋。為了產生戲劇張力,編劇常會設計一些情節與安排,讓觀眾產生驚喜與意外,但在驚喜之後,如何自圓其說,便成了一大難題。



《出神入化》中設計了一系列劫富濟貧的神奇魔術,確實在過程中產生了無數莫大的驚喜,但真的每個魔術都有很好的解釋嗎?並不盡然。



事實上,觀眾一點都不在意「真正的合理」。你是否有過這樣的經驗,在看戲過程中覺得合情合理的許多事,事後回頭想想,男主角為什麼做那樣的選擇?女主角為什麼會出現在那個地方?有時有些東西其實是安排得極不自然又充滿破綻的,但你只要能夠在過程中創造「當下的合理」,觀眾當下被說服了,一切就成立了。



什麼意思?我們來剖析一下《出神入化》中出現過的幾個重要的魔術你便知道了。



《出神入化》分成三個重點魔術,第一是搶劫巴黎銀行金庫,第二是掃光缺德商人的帳戶還給受騙人民,第三是憑空帶走警衛把守的金庫。



但如果你認真去留意這三場魔術「如何辦到的」,你會發現只有第一場魔術解釋得清清楚楚,第二場幾乎沒有解釋(燈照一照就能把錢匯到對方的帳戶?),第三場則是利用催眠術、催眠術、催眠術。但重點是,觀眾全都買單了。



這就是「順序」創造的魔力。



編劇利用開場的幾場有明確解釋的魔術,取得了觀眾的信任感,當信任感建立後(哇喔,主角就是很有辦法的魔術師沒錯啦!),中間就可以混充幾個不可思議的魔術(好比在偵訊室裡魔術師將手銬變到警察手上),觀眾也不會去追究太多細節。只要最後關鍵時刻的大解密又有一個漂亮的解釋(儘管是來自於無法解釋的催眠術,但前面的劇情證明了催眠術真的存在),觀眾便可以滿足。



這就是編劇的特權,也是許多編劇忽略的重點──編劇可以決定觀眾要去相信什麼。



但這不是可以隨便胡謅的,需要你的巧思與安排。



最基本的順序取得信任法如下:

1. 開頭建立對你有利的規則,讓觀眾知道「這部電影就是這個調調」。

2. 開頭與重要轉折關鍵點的謎團,一定要有細節,因為這是觀眾最容易挑剔的地方。

3. 情緒上的合理比邏輯上的合理更重要。角色可以做毫無邏輯的事,只因為他正處於某種極端的情緒。



這幾個最簡單的原則有把握住,你會發現其實觀眾比你想像的合作,找一個解釋比你想像得更簡單。







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《半澤直樹》與傳統日劇的不同結構

半澤直樹  

常看日劇的朋友,對於現代日劇的結構相信並不陌生。



不同於華人或韓國連續劇,動輒幾十集,通常日劇是以一季為單位,一週播放一集,所以通常長度都落在10~12集。



除了長度不同外,劇情的安排結構也不相同。日劇大多是走單元劇的結構,每一集都有頭有尾,完整作結,不留下懸念。這種設計比較類似美國的連續劇,但日劇有自己獨特的走法。



美國連續劇大多是有一個概念,還有一張人物關係圖,然後就這個概念和人物關係開始自由延伸,展現每個人的特色與生活(如慾望城巿、六人行、美女上錯身等等),也因為這種結構,美劇常常可以延伸好幾季,但過程中的故事線並不明顯。



而日劇除了每集自己劇情外,通常背後還會埋有一個貫穿整個系列的大事件(殺父之仇、沉寂十多年沒破的大案件、傳說中的寶藏等等),這個大事件通常會在第四或五集左右開始有了線頭,然後漸漸成為故事的主軸。



如果以圖型來表示,大概長得像這樣:

日劇結構  

每一集都有自己的主題,同時在每個主題當中漸漸丟出最終大故事的全貌,全系列可能完全不留懸念,或只有最後兩三集會留下懸念。



每一集都獨立成單元劇,和集集都留懸念的連續編劇法,沒有孰優敦劣的問題,基本上都只是收視考量的問題。連續編劇的好處是,可以利用懸念抓住觀眾,不得不在同一時間回到電視機前準時收看,但只要錯過了中間一兩集,或沒有從頭看起,就很容易看不懂,無法進入狀況;單元劇的方式,少了懸念保障觀眾回流,但觀眾無論從哪一集開始看,都可以馬上進入狀況,看了喜歡,也會更有動力去找出之前錯過的集數來看。 



而半澤直樹採用的結構,則採用了較少見的五集為一單元,且每集結尾留下懸念的連續編法。

我真的不太會畫畫........  

這種編法既擁有單元劇的優勢,可以在每個單元上另起爐灶,創造新鮮感,又有強大的懸念支持觀眾黏著在劇情上,就連第一個單元落幕時,也同時有「回到總行後究竟整個報復行動會不會成功呢?」,彌補了一般單元劇當單元結束時,觀眾就失去黏性的缺點。



半澤直樹第一季的結尾,相信很多人不認同那算是有結尾,但明顯製作團隊熱愛這種懸念不斷的手法,就連一季結束也不肯好好收手。事實上,相信有不少人對於劇情往後的發展會有好奇,不只是好奇半澤最後會不會成為行長,還包括如今劇情走到撂倒大和田常務時,已經是口味與劇情強度極重極重了,再往上發展,又該如何加強呢?



小農覺得,在這個極強的劇情之後輒然而止,讓下一季又可以從一個強度較弱的單元起頭,不失也是一種平衡劇情的手法。讓我們一起期待下一季半澤的到來吧。





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從《出神入化》看電影開場與角色亮相

 

最近小農看了許多電影,要論喜愛指數排行,最愛的便是這部魔術強片《出神入化》。



以整體性而言,《出神入化》算不上什麼經典作品,故事上也顯得有些頭重腳輕,但確實中間包含了許多珍貴且值得學習的編劇技巧,因為小農特別想寫幾篇文章,來聊聊我在《出神入化》看到的東西。



我內心的評價是:光是開頭15分鐘,這部戲值回票價了。「出神入化」為開頭做了一個精彩的示範。



出神入化  

電影開場,透過一場魔術,首先闡述了關於魔術障眼法的原理。



這多少帶著一點編劇賣弄與吊書袋的味道,很多編劇因為資料收集或對一個題材的熱愛,常會出現這個毛病,但在《出神入化》處理得很好,因為它找到一個對的場景(變魔術)、對的人物(男主角性格本來就是愛賣弄愛講道理,透過這場戲來吊書袋,其實是突顯了角色的個性)以及一個對的時機(開頭建立氛圍與全片底蘊),使這個書袋吊起來一點也不無趣,反而讓人可以回味。



觀眾在第一個魔術結束,大樓亮起樸克符號時,全都被這個驚喜吸引進去。但事實上,這在電影中完全是可以套好的,毫無Magic可言,所以這個開場魔術尺度一定要很大,大到光是視覺本身就讓人驚豔,否則就起不了效果。好比說,這時變的魔術是劉謙的戒指穿過杯子這樣的小魔術,就沒有這種魅力。如果你有留意,在這部片中幾乎沒有這種魔術,這是一種拿捏。



接下來這個場景是我最喜歡的,催眠師的亮相:

出神入化  

這個場景值得多看幾回,它不但展現了催眠師讀心術與催眠的專業,同時將他遊走道德邊緣、唯利是圖卻又形象超好的特質發展的淋漓盡致。



剛開始,他是一個討人喜歡的街頭藝人,笑容可掬、態度親切又幽默,但當太太被催眠之後,他利用他的讀心術勒索先生,完全打中先生的七寸,機智又不留情面,但因為先生外遇本身就是道德犯罪,所以觀眾一方面覺得催眠師很詐,但一方面又會認為他是在懲罰壞人,所以又不算是邪惡之徒。



要展現所謂的亦正亦邪,這是一個很好的範例技巧──用不道德的手法懲罰不道德的人。



先出場的這兩人形象鮮明,討人喜歡,光是這兩場戲,全場觀眾便已經被收服了。雖然後續小偷和女孩的脫逃術場景強度普通,但觀眾已經不在乎了。



而事實上,小偷和女孩在整個故事中,確實戲份也不重要,這就顯出了角色亮相順序的重要性。看過戲的人不妨想想,如果角色出場順序不是這樣,會產生什麼效果?



小偷與女孩的場景,都依據角色的性格找了一個亮相方式,替他們確立了定位與性格,只是就沒有前面這兩人這麼清楚又精彩(因為很明顯的他們在劇中確實也是比較扁平的角色,火爆小弟和漂亮花瓶),小農便不贅述。



編劇安排塔羅牌來增添神秘感和強化角色性格,這部分有些矯情(牌在後面其實也沒有真正發揮功能,就是一種Fu),但也是一種手法,可以斟酌使用。



你也希望寫出同樣引睛的作品嗎?研究一下上面所提到的場景,相信你會從中獲得許多靈感的。


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希區考克的電影技法11之5──簡單易懂的故事

 

目炫神迷的故事總是吸引人,當撲朔迷離的迷團走到最後真相大白,觀眾無不感佩作者的匠心巧具。因此新進的創作者,總希望故事更複雜一點,彷彿故事越複雜難懂,就會擁有越多的鼓掌。



可惜的是,事實正好相反。最吸引人的故事,往往都是最簡單易懂的,仔細回想你腦海中的經典故事,是不是其實有90%以上都是單線進行,而且有再簡單不過的動機與故事線?羅密歐與朱麗葉、鐵達尼號、玩命關頭、蝙蝠俠......就連夢中有夢複雜到不行的全面啟動,其實故事也都是簡單到不行,也就是一個男人為了回家而做出努力。



越是複雜的概念、設計,越需要簡單的故事來支撐。因為人的理解力與專注力是有限的,一部需要花費大量腦力才能進入狀況的作品,絕對不會讓人喜愛。



觀眾越快可以理解什麼情況?什麼人?在做什麼?為了什麼?那就會越快融入故事之中,隨著情節起舞。



因此故事一定要簡單,簡單到那種人們看完可以用三兩句話說明:「喔,我看的是一部關於什麼什麼的電影。」



這個道理就算是在小說、漫畫當中也是一樣的,故事宏大如笑傲江湖、海賊王等等鉅作,開始都是一個再簡單不過的點:我要成為海賊王,開始找夥伴,出現宿敵,解決......笑傲江湖的複雜故事開頭,不是令孤沖、不是東方不敗,卻是林平之一家的滅門慘案。為什麼不是用主角開場?因為故事環繞的是「武林盟主」,所有人爭的是天下第一,而一本絕世劍譜正是天下第一這個概念的具體呈現,所以透過一本劍譜的爭奪,展開了關於武林盟主的爭奪。



如果你的故事很複雜或要往前追朔才能懂,它就很難產生懸疑感。希區考克片中的懸疑感來自 - 簡單、直線式、好懂的故事。一個精簡的劇本才會產生最大的張力。故事要有張力,就要把不必要的東西拿掉,只留下能抓住觀眾的元素。就如希區考克說的: 「什麼是戲劇,就是,把生命中無聊的地方拿掉...」



太抽象的故事,很難懂。這就是為什麼希區考克喜歡用「犯罪故事」 - 裡面有偵探、間諜、刺客、和逃脫警察追捕的人。這樣的劇情比較好玩弄觀眾的恐懼心,當然,這不是絕對的。



創作新人之所以容易掉入將故事弄複雜的陷阱,往往來自於想像力與生活體驗的不足,所以無法將一個故事說得簡單,卻又不失無趣,故事當中缺乏亮點,只好以複雜來蒙混。



已故戲劇鉅子李國修老師在京劇啟示錄一劇中曾說過:「一個人,一輩子,能做好一件事,就功德圓滿了。」編劇也是相似的概念。



一部戲,如果能有一個漂亮的創意賣點,就功德圓滿了。阿凡達除了外星種族替身這個概念外,整個故事其實是很不特別的,不就是典型的殖民者與被殖民者的抗爭故事嗎?一個原本殖民陣營裡的人因為深入敵陣,結果發現其實被殖民者才是對的,最後倒戈加入弱勢的一方,抵抗強權。但因為用了一個全新的概念將這個故事包裝起來,便成了一個新的故事。



這個典型的故事,其實便是所謂的「故事原型」。只要你熟悉夠多的故事原型,將一個新的創意丟進這個原型裡,就能產生出簡單又精彩的故事。



新手編劇該努力的方向,應該是尋找那個特別的新創意,吸引人的情境和元素,而不是執迷於把人物關係和故事線搞混搞擰。



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《環太平洋》內的哈日結構

環太平洋  

最近熱映的《環太平洋》號稱是一大爽片,精彩的特效加上豪邁的巨型對戰,娛樂效果十足。



雖然與《變型金剛》同為巨型機器人題材的故事,但如果深究其腳本設計,會發現《環太平洋》絕對是一部美日混血鎖定哈日族群的作品。



一、神經連結的巨型機器人:

新世紀福音戰士  

大家第一時間一定都想到了《新世紀福音戰士》,而且機器人與戰鬥服的造型是不是也有相似之處?事實上巨大機器人在日本動漫中一直佔有重要的地位,除了知名的鋼彈系列以外,魔神英雄傳、魔動王、絕對無敵......絕對都是許多人的童年回憶,對於日本動漫迷而言,巨大機器人實在是個難以抗拒的元素。



二、海底來的巨獸:

哥吉拉  

這又是另一個日本空想作品的傳統,特攝片最知名的便是《哥吉拉》。認真說起來,《環太平洋》根本是《福音戰士》大戰《哥吉拉》的故事。



三、性格古怪帶有兒時創傷的女主角(並且崇拜司令):

凌波零  

無意外的,多數人都意識到《環太平洋》的女主角與福音戰士女角凌波零相似度高達90%。但這個性格設定其實在日本動漫界並不罕見,日漫女主角三大類型:溫柔天真美少女、粗魯吵鬧傻大姐再來便是孤僻冷漠實力強的彆扭女孩。



四、最終武器一定要是劍(近身兵器):

屠獸劍  

明明有超帥氣的等離子炮等高科技武器,最後秘密武器卻是原始肉搏武器──劍。這也是在日本動漫中有趣的傳統,就算故事主角是超強的魔法師,最終武器也必定是刀與劍,就效果與帥氣度而言,近身肉搏確實比起子彈飛來飛去爽快千百倍。



五、救贖的(蘿莉)童年:

蘿莉  

日本動漫必備,童年裡遭遇危機的小蘿莉或小正太,即使在機器人與怪獸環伺的動作片中,仍然不能少去萌一下的機會。



六、有苦衷的大人物

元帥  

不同於好萊塢作品,正義一方的大人物常常是隱藏的邪惡魔頭或神仙一般的神秘人物,日系作品中的大人物通常都背負著巨大的苦衷與悲劇,並且在最後關頭犧牲幫助主角完成使命。



儘管如此,《環太平洋》依然僅僅是部披著日本皮的美國羊。日本作品的核心,永遠都會指向一個普世的人性,關於突破自我與人性的真相,而不僅僅只是正邪交戰,最後終於拯救了世界的英雄主義。



這條界線其實不是美日之分,而是在終極爽片與爽快之餘還有可供回味的好片之間,一個重要的分野。

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皮克斯故事技巧22之2──你想說什麼並不重要

雞同鴨講  


大多數時候,編劇是鴨,觀眾是雞。鴨子伸出手來表示麻吉親切我懂你,雞卻對它露出空洞莫名的神情。



在文學的場域中(尤其是詩人界),很熱衷於一個名為「誤讀」的概念,就是作品本身脫離作者要傳達的意旨,與不同讀者互動能產生不同的意義。雖然誤讀,但別有況味。



也因此,作者只要放心大膽的說自己想說的話,而讀者也放心大膽的解讀作者的作品,就算根本是場誤會,也是美麗的。



但這個概念,終究能接受的是少數,多數人在看小說與影視作品時,其實並不習慣主動參與理解,只會被動的等待接受刺激。



會花錢進場玩猜謎遊戲的,終究是小眾。會花錢進場關心你關心的事(而不是他們自己關心的),也終究是小眾。



如果你想成為大眾作品的創作者,說大眾想看的、關心的,是你的「工作」。如果你真的想傳達一些什麼你個人的執著,那只能算是個人興趣了。



要對付錢的觀眾負責,請先完成你的工作,再來談興趣。



皮克斯故事守則:「切實感受觀眾想要什麼,而不是你想要表達什麼。」




我們都知道設計產品時,應該站在消費者的立場思考,而你的劇本,其實也是一個要端到消費者面前的產品,在設計時,也應該要思考相同的事。



你的目標客群是誰?他們喜歡什麼?他們買票進場是期待得到什麼?



你的劇本最基本應該要具備這些元素,剩下的,是你要端出來的驚喜。





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希區考克的電影技法11之4──對白本身沒意義

廢話  



廢話指的當然不是真的廢話,對白沒意義也不是真的沒意義。



希區考克所說的,是在還原生活的真相──人與人之間的對話,其實有80%是由無意義的話構成的。



但我們之所以會說這些無意義的話,是因為我們心裡有些想要的東西,不敢直接表達。



比如一對互有好感的男女,羞於表白,於是兩人繞著公園一圈兩圈的走,從天氣聊到貓狗聊到外太空,話題不著邊際,卻怎麼也不想分開。



再比如明爭暗鬥勾心鬥角的同事,有看過甄環傳的人都知道,嬪妃們聚在一起話家常,講得都是廢話,但其實骨子裡都是想爭寵。



說出來的對白確實都是廢話,但這些廢話都是有意義的。



所以真正在說故事的絕對不是對白,而應該是角色的行為、立場與態度。他說出來的話可以是反的、是亂的、是不著邊際的,但行為應該讓觀眾一眼便看出他實際上心裡在想的事情。



這就是我們常說的:嘴巴上說不要,身體倒是挺誠實的。



電影要求的對白少,所以要多著重在描寫、安排動作;電視劇要求的對白多,所以要多著墨於話中有話。





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認真鬧笑話(三)──諧擬

諧擬  



看到最後,才知道這影片原來不是哪個日本綜藝節目,而是一隻幾可亂真的宣傳影片。



這種手法,在專業的術語中,被稱之為「諧擬」,類似我們平常所說的「模仿」,但諧擬不是單純的模仿,這個模仿本身,會帶有嘲諷的意味在。



模仿是為了創造喜感,而不是單純的模仿。



現在風行的許多搞笑網路影片,大多是在諧擬的邏輯下完成的,如知名的搞笑團體這群人:





這便是一部諧擬台灣八點檔鄉土劇的作品,他的趣味便是來自於大量堆疊八點檔常見橋段,使熟悉這些橋段的觀眾會心一笑。



諧擬的關鍵在於「認真」,許多搞笑影片不夠認真,知道自己在刻意模仿搞笑,所以表演起來就不夠誠懇。但搞笑的關鍵其實在於「你必須成為被笑的那個人」,而不是和觀眾一起嘲笑你在演的人。



要做到諧擬,在腳本的設計上,需要下的功夫就是「觀察」,抓到你想諧擬對象的特色與固定的形式。如日本節目影片之所以可以做到幾可亂真,是因為它無論在用語上、畫面上和段落鋪陳的順序上,都完全抓到日本節目慣用的質感。(如背景全黑、側光、簡潔的示意動畫、訪談、字幕的打法,「傳說中的男人」、「站上打擊區就自動顯示一隻安打」這類誇飾的修辭等等)



通常諧擬的對象有兩種:本身並不好笑的(如日本節目)與本身就好笑的(鄉土劇)。



前者通常會花一點時間嚴肅認真騙過觀眾,最後丟出一個全然無厘頭、一看就知道與節目內容不符的東西做為破梗(桃園球場的日照),使觀眾發覺原來這是一部搞笑片,因而會心一笑。



後者要達到趣味效果,往往只要有抓到諧擬對象的特點,觀眾就買單了,效果好壞通常是由觀眾對題材的熟悉度決定的,但要有大獲好評的成效,關鍵在於除了模仿(觀眾能預料的),應該要能夠更上一層樓,丟出觀眾無法預料的東西,才會引起更大的共鳴。如這群人的影片中,不只是單純重複鄉土劇的內容,更抓到鄉土劇愛用成語、愛講英文等等特色,從中發揮新笑料,才真正產生了笑果。



「不停留在表面」是諧擬最重要的關鍵,要諧擬鄉土劇,絕對不能只是捏爆橘子而已。要真正看見鄉土劇之所以好笑的內涵,才能從中變化出新鮮感。

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電影作品中的符號

 

在先前的文章中,我們討論過象徵(詳見什麼是象徵? ),文中也提到戲劇作品中一個很重要的元素,符號。



什麼叫符號?符號指的是一種約定俗成,無論在哪裡看到都可以代表意思的東西,好比說槍等於暴力、權力;十字架等於上帝、宗教,不需要情節,大家一看就能聯想到意義的,便是符號。



符號無論到了哪部片中,幾乎都有著相同的意義,最極致的例子:

01300000030421122183160976960  

一看就想到美國。



錢  

這個不用解釋了。



符號不光只是記號、某個物品,也可以是一種行為,好比牽手、親吻,就成為一種感情的符號,只要看到這種行為,即使不解釋,也可以清楚知道兩人的關係。



符號最常被用來呈現一個角色的特質,例如《拜金女的異想世界》:

拜金女的異想世界  

一身名牌、超高的高跟鞋、多到滿出來的購物袋和計程車(想想,什麼樣的人會搭計程車去購物?難不成是勞工階級或勤儉持家的人?當然不是),即使沒有掛上片名和說明,都可以清楚傳達出這名女子的個性、社會階級與特徵。



這也是為什麼人們總是老生常談的說:「編劇要懂得觀察。」觀察什麼?便是這些符號。



什麼樣的符號(裝扮、行為、甚至用詞、口音)可以一下子讓觀眾對角色留下正確的第一印象,讓角色可以一亮相就被觀眾清楚認識,是一種技巧,更是門藝術。



最近剛上映的《出神入化(Now you see me)》,每個角色一登場就個性鮮明,緊緊抓住眾人的目光,他們到底做了些什麼?或許可以進場感受一下。

出神入化    





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影響微電影分享力的六大因素(五)──老套程度

 

許多的人都在尋找戲劇的成功模式,所以當年台灣霹靂火爆紅之後,後面陸陸續續出現跟拍風,台灣龍捲風、金色摩天輪、天下父母心......他們都試圖複製那套成功模式,結合鄉土、現代、商戰、家庭倫理,希望能夠帶來收視率。



但事實證明,台灣霹靂火的高峰一去不回頭,後面跟拍的作品雖然能夠維持基本盤,但卻找不回昔日榮景。



為什麼?明明曾經成功過的方式,為什麼做同樣的事情,卻無法換來相同的結果?



原因很簡單,因為觀眾喜歡新鮮,不喜歡老套。重覆的東西,換了名字換了演員再演一遍,一樣是重覆,重覆越多,就越顯得老套。



相信當年鐵達尼號爆紅時,經典的船頭雙人合體技人人都爭相模仿擺過吧?但到如今再擺,就顯得了無新意了(甚至有點懷舊的味道)。去年走紅的騎馬舞,也會漸漸不再新鮮,隨著重覆,步入老套。



人們永遠在渴望著新鮮的事物,這也是騎馬舞爆紅的原因之一──簡單、逗趣、而且跳的還不是偶像,是位大叔。



沒有人可以複製江南Psy大叔,複製了也不會成功。這便是所有追隨模仿者的盲點──爆紅的事物關鍵不在他本身,而在於他本身放在當下環境裡的新鮮感。



戲劇也是一樣的,當你的影視作品無法帶給觀眾新鮮感時,你的作品便失去了分享力。電影如此,微電影也一樣。



所以我們也看見了鄉土連續劇編劇的努力,不斷在鄉土劇中添加新的元素,放入許多不搭調的情節,靈魂交換、死而復生、哪天說不定還會出現複製人和穿越。



這些努力雖然是荒誕的,但卻可以從中看出創意的曙光。



我們發現,其實所謂的新鮮不見得一定要是全新的事物,它可以是建築在舊有事物上的新組合。



好比前陣子廣受歡迎的可愛多微電影系列《這一刻,愛吧》,內容其實是很老套的校園愛情故事,但它利用「愛情四象限」這個新名詞替愛情做了分類,也讓舊式愛情故事翻出了新的樣貌。

這一刻,愛吧  

而《鐵達尼號》呢?其實如果我們仔細分析它,會發現它的愛情故事也是老套,自由派貧窮男與保守派富家女的愛情故事,只是加入了災難片的元素,使它成為經典。



你也想要拍一部愛情微電影嗎?愛情故事的過程總是老套到不行,能不能找出一個新鮮的點子,來替骨子裡其實已經老到牙的故事走線,增添新的趣味感?



這個新鮮點也許是地點(如《航站情緣》,誰能想到機場能住還能談戀愛?)、也許是類型(如《疆屍哪有那麼帥》,誰能想到疆屍片也能混搭愛情文藝片?)、也許是某個哲理包裝(如《這一刻愛吧》的愛情四象限)、也許是某種切入點(如《愛說謊的媽媽》,用「說謊」這個反面來切入母親的愛),各種角度都可能創造出新鮮感。



如果你只打算平鋪直述的說一個故事,那就省省吧。老套會殺死你的分享力,一部沒有人點閱的微電影,重複別人說過故事的微電影,你又何苦勞心勞力的把它拍出來呢?

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《Hi Hey Hello》三星S4微電影賞析

Hi Hey Hello    



這是三星近期新推出的音樂微電影,透過青春校園的愛情故事,行銷最新機皇S4的多種新功能。



三星之所以要製作這樣的影片,我想從裡面許許多多的置入性行銷就已經能清楚看出其企圖,是想介紹產品的各種新功能,但事實上,它想做的,比你想像得更多。

多種新功能的置入性行銷

三星2

三星4

三星6

三星7  

(有興趣的人可以在影片中找到更多,這裡就簡單列舉,告訴大家這置入性行銷還真不是普通的多XD)



而從先前提過的分享力專題中(可在部落格內搜尋「分享力」),我們可以知道,過多的置入性行銷(置入程度太高)會降低觀眾的觀影樂趣,所以我們需要提高其他方面的分享力(如按讚程度或衝突程度),來維持觀眾樂於分享的動力(以這部影片在Youtube上發佈1星期獲得20萬點閱率的情況看來,成效還不錯)。



因此好聽的音樂、傻氣又引人發笑的男主角、奇怪的背景伴奏樂團等等,成了影片趣味性的重要來源。

奇妙的伴奏

三星5  

影片的敘事線很簡單,以男孩的一天做為出發(角色介紹),在課堂上與女孩一見鍾情(起),一次次與女孩在校園內擦身而過(承,衝突),千迴百轉的單戀終於在晚上的派對點燃火花(轉),最後發現原來女孩也偷偷喜歡他(合,發現與解決)。



但我們先別忙著拆解腳本,這部微電影最值得一提的,是它的策略。



首先,為什麼是音樂電影?為什麼不是傳統有對白的寫實電影?



再來,為什麼是校園愛情故事?又為什麼是搞笑輕鬆,而不是刻苦銘心?



近年掀起的微電影狂熱,使許多業主都倍感心動,開始規劃預算想跟進這波熱潮,生怕錯過了就會落伍,被同業佔去先機。



但在搶拍微電影之前,其實我們應該要先冷靜一下,檢視清楚到底你拍微電影是希望帶來什麼樣的效益?你現在的行銷目標,到底能不能透過微電影達成?



小農前陣子與一個朋友洽談,他引進了台灣少有的朝鮮薊,想要拍一隻微電影推廣這種蔬菜讓大家食用。但小農建議他,與其拍微電影,不如與美食節目合作,設計相關的菜色讓婆婆媽媽知道怎麼運用這種蔬菜,效果可能更好。



原因很簡單,因為微電影本身就不是一種直接兜售產品的行銷工具。它比較擅長的是品牌形象的經營,以及讓觀眾透過模仿劇中角色行為而與產品產生互動。而這兩件事,都無法滿足小農朋友的期待,所以小農選擇勸退他。



我們不只要追求一部高點閱率的微電影,觀眾看完微電影後會產生什麼效益,才是更需要去思考的。否則像捧紅瑤瑤的殺很大廣告,利用無厘頭吸引了目光,但紅了演員卻失去對產品的注意力(有誰還記得這款遊戲?),相信不是老闆的本意。



回歸到這部微電影,從策略面來回答剛才所提出來的問題,其實一切就很清楚了。微電影的內容企劃,最基本可以從三個角度切入,目標客群是誰?溝通什麼事?產生什麼預期效果?



首先是目標客群。這隻微電影鎖定的目標,是學生族群(年輕人),所以在題材、調性的選擇上,也都向著年輕人喜愛、熟悉的方向走,無論是愛情的題材、輕快的音樂、發生在校園的故事等等選擇,都是因為先有了確切的目標客群,才有這些安排。



接下來,你要和觀眾溝通什麼事?一個產品,比如智慧型手機,其實有很多面向,通話超清晰、連網超快、跑遊戲不lag、有很好的行動辦公室軟體整合、老人家也會用的傻瓜介面......都可能是產品的賣點,但一部微電影通常無法承載如此多的產品資訊(事實上,廣告宣傳單也不行,許多焦點等於沒有焦點),所以你必須挑選你要透過微電影與觀眾溝通產品的哪個部分?



這部微電影其實在彰顯的,是一種生活方式。充滿娛樂的、可以吸引朋友的、更新鮮更便利的生活方式。這也是為什麼影片最後寫的是:愛情故事,現代化的一天,由S4幫了一點小忙。



因為它在示範給你看,有了S4,如果你這樣用S4,你的生活可以變成這樣,你可以擁有現代化的一天,可以擁有一段愛情故事。



結合這兩件事,一來可以鞏固原本年輕愛用者的忠誠度(沒錯,用三星就是這麼炫!),二來又可以吸引新的年輕使用者。



而音樂電影的形式,其實在我看來,是一個節省時間的好方法。如果以現在影片所承載的資訊量來看,若是拍成一般的影片,為了在使用功能Demo、以及轉場的部分維持流暢,必須設定許多額外的橋段和對白,整體影片長度可能會增加1.5~2倍的長度,這無論對觀影人或製作人而言,都不是件好事。



這一連串的安排,在事後看來似乎理所當然,但如果沒有在事前就做過通盤的規劃考量,只是為了拍微電影而拍,那你的這筆預算可能就要打水漂囉。



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皮克斯故事技巧22之1──經過努力的才叫英雄

英雄  

「敬佩一名角色的努力不懈與勇於嘗試,多過於敬佩他的成功。」



我們先前談過角色歷程,談過角色的轉變是故事最重要的關鍵(詳見角色的成長──談角色歷程 ),但一個窮人最後中了樂透變成大富翁,也是一種轉變,但這種故事是不吸引人的,為什麼?



因為這不是一個英雄的故事。



在好萊塢有一個說故事的結構,叫英雄旅程(詳見連好萊塢都在用的編劇12階段 )。故事的主角必須是英雄,所謂故事是一個英雄成為英雄的過程。



但抱得美人歸、變成大富翁、事業飛黃騰達或能力超級無敵強,難道就算是英雄嗎?超人從一出生就是超人,但他並不是從一出生便是英雄。



回憶一下你會敬佩什麼樣的人。是有錢人、有好工作的人、還是堅持著目標,默默做著沒人想做的事的人?



有些人會讓我們羨慕,但不會讓我們佩服。我們佩服的,都是去挑戰那些超出他們能力,卻仍然奮戰不息的人。



所以英雄可以是一個偉大的父親、刻苦的工人、準備考試的女孩......英雄其實可以是任何一個人。他們在故事最後可以不見得成功,但過程中必然需要努力奮鬥。



因此一個窮人變成富翁的故事,不能以中樂透這種與努力無關的事件來達成,而必須讓他自己挺身而出,透過他的努力蛻變。



讓你的角色奮鬥、主動、面對挑戰。而不是讓他們被動的等待運氣降臨。



有的時候我們無法否認運氣對主角的成功有很大的幫助(如遇到一個貴人),但主角的努力必須是關鍵,貴人只是左手,只能當輔助(因為主角的努力,貴人才肯相助幫一把)。



這也是為什麼超能英雄們總要跌跌撞撞100~110分鐘,最後10~20分鐘才真正從一個「厲害的人」成為「英雄」的原因。因為光是厲害、成功是不夠的,他還必須努力才能博得觀眾的認同與掌聲。







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《客家好愛你》微電影賞析



《客家好愛你》是一部由九個小短篇所組合而成的微電影作品,故事主軸集中在從國外回來的孫子Mac在暑假期間,與客家阿婆相處所發生的趣事。



Mac與阿婆,其實都是我們之前提過的討喜角色(詳見討喜角色是什麼? ),卡通化的特質,運用刻板印象中的「年輕人」與「外婆」,一下子打造出了能夠激盪出火花的情境。



運用討喜角色有一個關鍵,就是要一次創造兩個帶有矛盾特質的討喜角色,使他們能夠產生化學作用。仔細回想一下,大多數這種利用刻板印象打造的角色,是不是都有相互矛盾的特質?傻瓜妹配天才哥、貧窮男配富家女、叛逆小孩配古板父親、花花公子配天真少女......原因無它,只因為將這樣的角色擺在一起,才會自然產生出衝突的情境,創造有戲的環境。



所以要讓你的作品立於不敗之地,第一步就要從角色設計下手,設計兩極對立相互矛盾的角色,能讓我們在創造戲劇內容時事半功倍。



我們接下來試著將九個短篇拆開,一一看看發生了什麼事:



一、相遇:利用Mac的亮相開場,編劇選擇了「打卡」這個年輕人熱愛的行為,配上打卡地點,一下子將Mac的年輕特質點出來,行為決定性格。接下來就是離水之魚(詳見跟著好萊塢編劇這樣做──離水之魚 )──把他丟進一個與街頭狂歡、陽光沙灘全然無關的地點──傳統的三合院內,讓他傻眼。再一次,行為決定性格,我們從外婆對Mac垮褲的不滿,知道了外婆保守的性格,並埋下了兩個世代間價值觀衝突的引線。



留意編劇在這裡是如何交待兩人的關係的──她只用了一句台詞:「放暑假,把孫子從美國丟回來給我,實在是......」,簡單明瞭,值得我們學習,如果你從開頭就在鋪陳「哈囉我是Mac,我放暑假了,爸媽要我回台灣鄉下找我外婆,這是我們的第一次見面......」那可就遜掉囉。



二、文化衝突:第二個段落是利用幾個生活小片段,帶出祖孫兩人的文化衝突。搶搖控器、飲食習慣、語言的誤解。這裡用了一點諧擬的技巧,將兩人做成武俠小說高手過招的形式,透過這個形式將看電視、吃飯和祭祖組合在同一個氛圍之中。



我們可以比較一下這個片段和下個片段之間的差異,如果我們將下個片段中的Facebook、燒CD的片段移到這個段落和其他衝突擺在一起,是否會覺得有些格格不入呢?



因為挑選衝突事件,建立統一的氛圍,是在場景之中很重要的事,如果沒有做好,會打亂視覺效果的連貫性,就失去堆疊的效果了。



當然這個片段原則上有一些取巧的部分,例如吃飯的場景,外婆如大俠般的身手,以及Mac無中生有的漢堡可樂,都是為了製造效果而忽略寫實性的作法,這樣的作法在喜劇中能夠被「包容」,但可以的話應該盡量避免,因為會破壞整部作品的寫實調性(趣味、荒謬、純惡搞是全然不同層次的,你只要比較一下《海角七號》、《人在冏途》和《海綿寶寶》就大概知道了,越後者寫實程度就越低,可信度也就越低),編劇在此也確實用得很節制,其他段落中都沒有再使用這種非寫實的手法。



三、世代衝突:第三個段落和第二段其實有不大相同的部分,第二段落偏向孫子融入外婆的生活,第三段落則偏向外婆接觸孫子的生活。這個段落玩的都是語言諧音的趣味。



四、戀情:第四個段落了,該產生一些變化了。當我們創造這種連環小短篇時,要留意觀眾對於相似橋段的疲乏。第一段相遇,二、三段衝突,如果第四段還是祖孫間的衝突,就會顯得重覆,所以我們都會在重覆的第三拍(相遇是衝突的前奏)時,加入一些變化。不是衝突的類型變了,就是加入新角色。



這裡編劇加入了一個明顯是花瓶白雪公主的女主角,在親情線之外增添了一條愛情線,為Mac之後的轉變增強動機。



五、學習:為了博取美人的歡心,Mac開始學習客家文化。到目前為止,每一集都置入了一點點的客家元素,建築、語言、美食,到這集開始置入客委會的學習網站了。



我們到這裡檢查一下每一集的結構,不難發現其實都是由兩大元素組合而成:「趣味元素」+「客家元素」。當我們在規劃我們的短篇集錦型作品時,可以先繪出每一集的格子,然後賦予每一集任務以及要置入的元素,再將元素包裝成生活化的片段或笑話,增加觀影的樂趣。



小農教給大家的編劇方式,都是目標導向的思考,先確立目標後再進行創作,可以使你們的工作更有效率,減少茫然對著空白劇本發呆的恐慌。



六、戀情發展:透過學習,Mac試著向女孩示好,卻因為老套的客家歌而遭到白眼。這是相當巧妙的一個段落,因為在這個段落中,不但置入了客家歌曲、推動了Mac與女孩的戀情、還增進了Mac與外婆間的感情,我們來瞧瞧它是怎麼辦到的?



首先,老話重提,戲劇就是衝突,所以衝突是必然存在的。如果你賦予一個段落的功能是「戀情發展」,那通常這個段落的開頭,就是戀情發展不順利。



某個問題造成了Mac無法博取女孩芳心,而這個問題解決,Mac便能贏得女孩芳心。



而我們知道,我們還需要置入客家歌曲和增進Mac與外婆之間的感情。所以我們讓客家歌曲成為「某個問題」,讓外婆擔任提出解決方案的人,三種願望便能一次滿足了!



這個過程拆解開來可能覺得很簡單,但如果在一開始你沒有規劃這個段落要完成的目標,代誌就不會這麼簡單了。所以事先規劃,目標導向真的很重要啊。



七、和樂:外婆不但有了平板,還有了FB帳號,不只Mac學會了傳統,外婆也學會了流行。一切看來如此美好,但Mac卻將要離開。這個反轉是戲劇中很重要的技巧,在最大的危機來臨前,總是有暴風雨前的寧靜。雪上加霜往往不是最傷人的事,好不容易有了希望卻破滅,才是最糟的情況。



八、別離:奔跑+回顧,相信是非常經典的催淚片段了,但要引出這個奔跑段落,還是需要一點技巧。編劇利用外婆新學到的FB,還有從最開始鋪陳的「孫子讓我沒面子」一直到「我孫子讓我很有面子」的轉變,傳達出了外婆對Mac的肯定,也使Mac在見到外婆的訊息後,飛奔回外婆面前對她表示感謝。編劇非常善用在九部作品中一次又一次埋下的元素,讓這些元素在最後發揮功能,這是編劇很重要能力。



編劇編劇,為什麼不是創劇、造劇,而是編劇呢?關鍵就在戲劇本身應該要像一張密密的網,每個元素被很好的集結在一起,前後呼應,左右對照,被編得密密實實。所以應該在盡可能少的元素內,發揮出盡可能多的功能,才能成就最大的戲劇張力。



說了這麼多,如果你仔細觀察就會發現,雖然是一個講「客家」行銷「客家」的故事,但其實在故事中最主要的元素,是兩代間的相處。我們可以把客家的元素都抽換成閩南元素,是不是依然能保留大部分的趣味呢?我想答案是肯定的。因為這個故事本身的結構就是「趣味元素(由兩代互動產生)」+「客家元素」,只要能夠把握這兩個元素,就能將這樣的故事玩得很好。



最近客委會又推出了《客家好愛你》影片的系列活動,徵求番外篇的寫作(詳見http://www.micromovie.org.tw/?p=1240),其實你要做的,也是把握住這兩個元素。先找出你要行銷的客家元素(例如客家諺語、活動,最好是不那麼為人所知的,像擂茶可能就顯得了無新意了),再將這個元素放進Mac與外婆的相處之中,利用諧音、誤解、調皮搗蛋(人物特質)、尷尬等等元素提升趣味性,你也可以寫出有趣的番外篇故事喔!





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希區考克的電影技法11之3──不要把攝影機當攝影機

 

何謂不要把攝影機當攝影機?難不成要當成肯德基嗎?(誤)



這句話的意思,其實是想打破我們對於攝影機的刻板想像。



回憶一下我們上次拿手機或相機拍出來的影片(你可能正在拍你同事或家人的搞笑舞步),我們是怎麼使用攝影機的?我們將人物放進畫面裡,然後跟隨著人物的移動而移動,努力將人物放在畫面的正中間,對吧?



這就是我們對於攝影機的態度,我們將它視為一種記錄的工具,把發生的事情拍下來。



但這個使用習慣,也影響了我們對於影片及劇本的想像力,我們總是把它想像成不斷說話的舞台劇,而攝影機只是放在一旁的記錄器。



事實上,理想的電影場景,應該是去除掉對白之後,依然能夠看懂的。要表達一對情侶的相愛或相怨,就算沒有對話,也能夠從他們的動作、位置、眼神看得出來。



而編劇的工作,便是要將這些東西無中生有,使讀你劇本的人,能夠在腦中產生畫面。



我們甚至可以利用一點小說的技巧,透過畫面的安排產生出觀點,即所謂第一二三人稱。讓攝影機成為某個人的眼睛,甚至是某隻動物的眼睛,甚至是不存在者的眼睛。



什麼叫不存在者的眼睛?好比說,一個正在爭吵的家庭,你可以站在餐桌旁參與他們吵架(成為他們的一員),你可以成為窗外的一名偷窺者(真的有個人在窗外偷窺嗎?那可不一定),或是像地上的螞蟻似的看著他們桌面下的腳,當人物在平和的說話時,腳卻不安的移動著。甚至可以像神一樣居高臨下,透過天花板上的吊扇觀看這場爭吵,看著吊扇一閃一閃的光影在他們彼此之間切割、切割。



當你意識到這件事時,你的說故事方式便存在有更多的可能,可以創造出不一樣的氛圍。



但切記切忌,不要談到攝影機。你一樣是使用希區考克的電影技法13之2──以情緒構圖 一文中提到的技巧,引導導演看見你心中的畫面,而不是指示他應該怎麼拍。



別讓你腦中的攝影機死板板的定在原地,要開發它的無限可能,使它成為你說故事的利器。





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希區考克的電影技法11之2──以情緒構圖

 

在希區考克的原意中,談的是導演手法,先確定你的場景中需要引導觀眾產生什麼情緒,再以情緒來決定畫面的構圖,是平衡或是歪斜?是緊湊還是寬鬆?



但這個法則,依然可以適用在編劇上。我們將由兩個方面來討論這個主題。



首先是談到劇本情緒的配置。如果有辦過活動和晚會,試著安排過節目順序的話,相信對於情緒配置這件事並不陌生。



大多數的晚會會有一個熱鬧的開場,炒熱場子的氣氛,然後可能接著安排時間較短但有趣的節目,吸引觀眾的目光後,接下來就可以安排比較安靜、長度較長但比較有質感的節目,接著再利用串場將沉靜的氛圍再度拉起,中場休息前最好再有個熱鬧的節目......為什麼我們需要這樣安排呢?



原因在於,人的感官對於重覆的東西是會感到麻木的。重覆的段落、重覆的情緒,會相互削弱彼此的能量。所以我們需要在過程中安插不一樣的情緒,由喜轉悲,由悲轉怒,由怒轉同情,由同情再轉緊張.......觀眾隨著情節的安排一下緊繃一下舒緩,才會感覺戲劇不斷有轉折起伏,如果只是一昧的緊湊、緊湊、緊湊,觀眾很快就會乏力,再刺激的情節也會變得無趣。



所以在創作劇本時,要像安排晚會節目一樣,對節奏與情緒要有快慢悲喜的鋪排。而當我們知道場景輪到什麼情緒需要登場時,我們便要依據所需的情緒來進行構圖。



對白多一點、長一點,講述內在情感時,會讓整體節奏變慢;用畫面說故事,精簡對白、讓人物以短台詞丟接,爭吵、動作、追逐,會讓整體節奏變快。在這個場合裡,你的人物需要講笑話嗎?前一個場景是不是已經悶很久了,接下來有可能安排一場激烈的衝突嗎?用情緒來構圖。



另一個要談的重點是,如果我們決定一個場景要緊湊,希望有許多人物的特寫、近距離跟拍,我們該怎麼做?



千萬不要去談攝影機。特寫。俯角。大遠景。這些是導演的工作,別弄得好像你比他行一樣,我們的本份是用文字說故事。



阿傑的汗水滑落臉頰。試問,是不是特寫就出現了?一隻鴿子從電線桿上飛過,陰影投在阿傑臉上,一閃即逝。是不是產生了一個俯角畫面?



用你的文字去引導鏡頭,你也可以進行構圖。



試著練習一下這兩個技巧,重新安排你劇本的場次,使情緒節奏產生變化,讓你劇本裡的情緒種類越多越好;利用你的文字創造畫面,引導鏡頭,你也可以讓讀者(製片、導演、演員....)光讀你的劇本就讀出一部精彩的電影!







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希區考克的電影技法11之1──以觀眾為主

以觀眾為主  

許多創作者都有一個習慣,就是在面對批評時會這麼表示:「你說的沒錯,但那不是我要寫的東西。」



對於一個創作者來說,保有自己的創作理念與精神是重要的,但許多事情過猶不及,有時對於你的創作理念過於保護,結果只會將你自己關進象牙塔中,失去與觀眾溝通的能力。



是的,溝通能力。導演、演員、編劇,其實都是在進行溝通,只是一個以演技,一個以表演,一個以腳本,但我們都在試著與觀眾溝通,溝通一種情緒、一個故事、一個理念。



想像一下你今天在菜巿場賣菜刀,攤位前站滿了等著買你菜刀的婆婆媽媽,你只有30秒的時間向他們說明你的菜刀有多棒,試問,你會不會盡可能使用這些婆婆媽媽懂的方式來解釋?你是不是拿冷凍魚、椰子來切,一下子讓他們懂得你菜刀的銳利?還是你打算拿出元素周期表,給他們上一堂化學課告訴他們這把菜刀是用什麼元素合成?



以觀眾為主,指的不是老講一些觀眾愛聽的東西,而是要你在創作劇本的過程中,把觀眾的觀感放在第一位。你一樣可以講你想講的故事,但每一個環節要都停下來思考,這樣講,觀眾能理解嗎?



你或許覺得扭曲的色彩很有瘋狂的感覺,覺得雨中爬行的蝸牛很美,但觀眾會有一樣的感覺嗎?那可未必。



如果你不能讓觀眾在觀影的過程中感到舒服,那你的溝通就中斷了。就像你永遠不可能在吵架中與對方溝通一樣,對方只記得他對你的不爽,聽不進你說的話。



但如果你能在講道理之前,先請對方吃頓飯,送束花,把對方的心情照顧得服服貼貼,你說的每句話,對方自然就都放在心上。



承認吧,觀眾看戲,是來找樂子的。你如果不先處理好這件事,滿足他們想找樂子的需求,其他什麼藝術理念都是空談,觀眾不愛看,就像對著空氣放影片一樣。



所以要學會訓練自己,去設身處地的與人相處,瞭解別人的想法與感受。你才能夠慢慢瞭解,有些笑話只有你會笑,有些情節能夠感動中年人,但會讓年輕人打哈欠。



你越能瞭解別人的想法與感受,你就越能將觀眾玩弄在鼓掌之間,讓他們一下子驚呼,一下子大笑,一下子落淚。



等到那時,人們能不叫你大師嗎?

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軟化硬內容──《拜耶穌的阿嬤》賞析

拜耶穌的阿嬤  



以微電影來推銷某個產品,向來是個令人頭痛的難題,因為微電影的強項在於透過故事建立品牌,將品牌形象滲入消費者心中,並留下印象。



大剌剌的說一個東西好,從來就不是人們喜歡聽故事的方式,畢竟,誰喜歡聽企圖與結局都明顯到不行的故事呢?就算這個東西立意良善也一樣。



如果我們抽絲剝繭,不難發現《拜耶穌的阿嬤》這部微電影根本就是電視購物,故事講述一對令外嬤頭痛的兄弟,因為參加了天主教的課輔班,變得更成熟體貼,只差沒說參加課輔治百病了。



像這樣賣藥型的作品是最不討喜的,如同影響微電影分享力的六大因素(三)──置入程度一文中提及的米其林輪胎,因為不斷叫賣產品功能而使觀眾失去耐性。但《拜耶穌的阿嬤》卻沒有這個毛病。



為什麼呢?



原因有三:逗趣恢諧、另闢主線、輕描淡寫。



逗趣恢諧:好笑的東西人人愛看,事實上,老人、小孩、胖子與矮子可說是搞笑界的四大天王(就戲論戲,無意冒犯,小農本身也是個胖子orz),站出來就有喜感,尤其是自有一套邏輯的老人,《海角七號》裡的茂伯、《陣頭》裡的阿西,都是屬於這個類型。



編劇利用阿嬤「煞有介事」拜耶穌這個不懂規矩的行為(煞有介事是重點,阿嬤不夠認真就不有趣了),以及「耶穌愛披薩」的設計,製造出了荒謬的喜感,我們不自覺在這樣的喜感中,期待阿嬤還會有什麼驚人之舉,於是喜感人物本身成了懸念,吸引了觀眾的目光。



另闢主線:但米其林輪胎不也試著加入逗趣的元素嗎?為何阿嬤可以成立,李探長就不行呢?原因就在米其林輪胎的輪胎在主線上,輪胎的功能直接成為問題的解答。如果今天《拜耶穌的阿嬤》故事是聚焦在兩個小兄弟如何如何壞,進了課輔班後變得如何如何好,那這部作品也壞了。



但編劇巧妙的轉移戰場,把焦點從小兄弟身上移開,完全放在阿嬤與耶穌的對話上,課輔班從解藥變成了前情提要,置入推銷的氣息就淡化了不少。



輕描淡寫:最後,導演刻意把所有會產生「課輔班真正好」的點都刻意淡化了。提到課輔班的部分不是匆匆帶過,就是刻意講笑話,就連最後送小孩到課輔班見神父的段落,也加了一個明牌梗。可以想像一下,如果少掉這些淡化的處理,阿嬤握著神父的手,感謝他改變了小兄弟的脾氣......這感覺會有多狗血煽情呢?



這三點技巧的運用,成功軟化了原本推銷的內容,創造了一次輕鬆愉快的觀影經驗。



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《失戀3.3天》微電影賞析





「愛情」與「生死」是文學創作的兩大千古命題,因為幾乎人人都有遇到、都有興趣,但卻沒有人能夠給出正確解答。



而對愛情這個命題最有興趣的,正是網路使用最吃重的年輕族,因此也成為微電影創作最常見的題材之一。



也正因為常見,所以愛情故事成為一種最簡單又最困難的故事型態。要寫愛情容易,但要不把它寫得陳腔濫調,卻需要功力。



寫出愛情樣貌的功力。



《失戀3.3天》是一部質感還算不錯的作品,雖然高潮部分稍嫌生硬,但點閱率在youtube卻超過百萬,除了借搭《失戀33天》的便車外,內容對於分手時的情感描述,也是功不可沒。



觀眾認同一部愛情電影,很多時候是被電影中的一些「格言」所觸動,而這也是這部作品最成功之處。

失戀3.3天



故事開始時,格言就出現了「因為熟悉,而變得陌生」。



接著,是一段屬於分手戀人都會共同經歷的生命經歷──我們在戀愛時總是有太多東西共享了,甚至連遊戲帳號用同樣的,所以在分手時,才會如此痛苦。



這個破題,在開頭一分鐘便很快的將我們導入了情境,我們已經知道這是一個關於分手男女的故事。



而且是一對怎樣的分手男女?難忘舊情的那種,這裡導演用了一段畫面來說明這件事:

失戀3.3天  

女生買菜意外看到皮夾裡的合照,男人發現杯子上的相愛場景,兩人都對著這照片發呆出神。10秒左右的一段畫面,一句對白也沒有,但透過畫面與演出,觀眾就都明白了他們的內心世界了:他們雖然分手了,但心裡卻還是掛念著這段情。



這是微「電影」一個很重要的概念。編劇圈有一句話,電影依賴畫面,電視依賴對白,因為對話其實是一種很花時間的表現方式,電視的觀眾經常會分心看螢幕以外的地方,甚至有些婆婆媽媽經常一邊忙家事一邊「聽電視」,所以多用對話才可以抓住觀眾的注意力,加上電視的時數長,可以有大量對話的空間。



但電影卻剛好相反,電影時間短(微電影更是短到不行),每分每秒都很珍貴,用畫面比對白說故事更精簡快速,而且觀眾比較專心,目光很少離開螢幕,大量的對白如果沒有配上豐富的鏡頭變化,反而會產生沉悶的感覺。(想像一下候孝賢導演的長鏡頭,或是一些活動記錄的影片就知道了,沉悶不是因為沒人說話,而是因為鏡頭都沒在變化)



所以寫作微電影腳本,要記得多利用畫面說故事,讓表演取代對白,效果會更好,也更有「電影」的味道。(許多微電影拍得像電視劇,除了器材外,這也是原因之一)



接下來,格言又出現了:「平淡的分手,分手原因就是平淡。」



平淡、分手,分手、平淡,迴文式對白寫法。(詳見對白寫作技巧(一)──迴文 )

失戀3.3天  

將照片以剪刀一分為二,一個強而有力的畫面,再一次的表達出女主角試著擺脫舊情的心情。



接下來開始置入性行銷了,這部微電影是行銷線上遊戲的,但在這部作品中也行銷的不著痕跡,因為它把握了微電影置入的原則,讓商品在故事中當配角(詳見微電影作品的商品置入技巧 ),利用商品去說故事,而不是藉故事去說商品。



透過兩人共用一個帳號時發生的情境,去表達一點物是人非的味道。但這個段落沒有處理得太好,尤其是女生打字唸出聲音的部分,這是一個常見處理讓觀眾看見打字內容的手法,但實在是畫蛇添足,不如一個畫面讓我們看到打了些什麼字就行了。



接下來便是衝突的層層鋪墊了,雖然剪了照片決心分手,但卻依然收到了對方的包裹,拒收嗎?還是收下再自己轉送?編劇開始回應觀眾的期待,當故事走到這裡,我們其實都在期待角色的需求──找回快樂,或找回那個依然愛著的人──能夠被實現。但戲劇的過程需要衝突,所以我們丟出希望,透過送包裹的見面機會、對方示好的生日禮物......然後再讓這些希望被打破,透過這個過程,角色的真心被不斷揭露,情感的累積也不停上升。



接下來要準備進入高潮了。每個戲劇都有屬於自己的高潮,這個高潮是根基於角色需求之上的。高潮的前奏是危機,危機指的是「角色需求的危機」,在那個危機點上,角色面臨了艱難的抉擇,需求和現實矛盾,是被現實打敗或與現實對抗到底、超越現實達成需求,角色不得不面對這樣的抉擇。

失戀3.3天  

所以編劇出招了,一個投懷送抱的女性(雖然這個敵人選角選得實在有點遜XD),一段同事要嘛分乾淨要嘛永遠在一起的最後通碟,逼著男主角採取行動,他選擇了向現實低頭:他要徹底斬斷兩人間的情愫。

失戀3.3天  

接下來便是高潮了,高潮是對危機的解決,就在男主角說出分手決定的那個moment,話筒那端傳來女主角的驚呼聲,深恐女主角遭到不測的男主角,趕緊奮不顧身的飛車趕往女主角住所,結果發現......!!!



我們都被耍了。

失戀3.3天  

原來闖入女主角家中的,只是一隻可愛的小貓,一切都是誤會。



這裡編劇在做什麼?他在用一個外在的危機解決內在的危機。透過外在危機(女主角陷入生命危險),使男主角發現自己心底深處其實依然愛著女主角。這是危機來自於「不知道自己有多愛對方」時,最常用的手法。一對即將離婚相互不爽的夫妻,家中突然被歹徒闖入,生死關頭間重新意識到彼此是生命中最重視的人,是不是似曾相識呢?



然後編劇再用一個誤導來解決外在危機(危機本身是個誤會)。誤導也是常見的製造張力的手法,在恐怖懸疑片中很常見:主角一人走在陰暗的小巷內,身後突然伸出一隻手重重拍在他肩上!!......原來是他的朋友。



這種手法很有效,觀眾通常會上當,但也很容易使觀眾失望。當觀眾發現一切只是場誤會時,心中多少都會對於自己被耍感到不滿,所以你會發覺當我們看完《失戀3.3天》時,我們其實有點不滿,覺得男主角從「我們分手吧」到「我們結婚吧」之間似乎太過容易了,因為沒有一個實質的危機讓男主角去挑戰。因此誤導的手法通常會放在比較前面的段落,而不會放在這麼關鍵的點上。



但演員的表現和女主角的旁白還算出色,彌補了這個不足,編劇也在最後用一點幽默來轉移觀眾的注意。

失戀3.3天  

最後是一個漂亮的置入性行銷,「無論你多喜歡一個人,你都需要一個藉口將他留在身邊」,什麼藉口?一個線上遊戲的帳號。遊戲產品不只將自己定位成「情侶一起玩的遊戲」,甚至升級成「幫助你復合遊戲」,這個點子實在是相當出色。



我們可以看到,一部愛情微電影的成功要素,在有限的篇幅中,不一定要什麼驚天設計,靠的其實是明確的愛情關係(一對分手卻依然相愛的戀人),以及精準點出這種愛情關係面貌的場景與格言。



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對白寫作技巧(三)──情境反應

血型漫畫  

血型漫畫  

從血型看開車時的樣貌,你覺得你的性格準嗎?



這是幾年前流行的血型漫畫,但今天我們要討論的重點不是預測的準確度,而是對白的寫作。



你是否覺得,圖畫中的每個角色,性格全都活靈活現呢?但他們明明都只有一格的空間,卻有效的呈現出了角色性格,這便是我們在寫作對白時應該學習的。



寫過劇本的朋友一定遇到這種窘境:面對著空白的word畫面,打下了「小明:」之後,就開始了長長的呆滯,因為我們實在不知道該讓他說些什麼。



長進一點之後,我們開始擠得出對話了,但回頭一看慘不忍睹,對白單調無味,角色蒼白模糊,如果把名字遮起來,根本就分不出小明與小華的區別,看不出他們的個性。



但我明明做了角色設定啊!小明是個急性子、小華是個慢郎中、小英溫柔小蔡剛烈.......怎麼全都不見了呢?



原因就在──你沒有給他們一個適合的情境做反應。



檢查一下你的腦袋,有沒有發現,當你在構思角色場景時,其實腦中的畫面只是兩個人站在某個模糊的地方面對面發著呆?發呆會說話嗎?當然不會,所以你一句台詞也寫不出來。



給他們一點事做。讓他們面對一些情境。



我們判斷一個人的性格,其實都是來自於他對事情的反應。看見路邊有人打架時,會叫好的是一種人、會裝沒看見的是一種人,會去勸架的又是另一種人。



如果你的角色是個尖酸刻薄的人,試著讓店員找錯錢給他,你就有舞台讓他表演他的尖酸刻薄了;如果你的角色是個小氣的人,讓大家逼他請客,看看他會有什麼反應?是含淚乖乖付帳,還是尿遁不惜跳出廁所的窗戶,或是大哭耍無賴、油嘴滑舌推拖?恭喜你,你不但有了個小氣的角色,他還又多了一些特點,小氣又軟弱、小氣又機伶、小氣又不要臉......



對白寫作的技巧就在於,你要先考慮的,不應該是對白,而是場景與情境。



當你把角色放進對的情境裡時,他自然會說出對的話來;反之,他就只能是條死魚。



試著想像一下,塞車這個情境,比較容易表現慢郎中,還是表現急驚風?相信是後者吧,因為塞車這個情境動搖不了慢郎中,也突顯不出他的慢。如果路上一路暢通,再過十分鐘他有個重要的會議要開,他卻仍然悠悠閒閒的慢慢開著車,那就顯出他的慢郎中個性了。



還在煩惱對白表現不出角色的個性嗎?試著給他一個更好的情境或事件吧。

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夢想,是最廉價的苦差事──0411編劇實務分享記遺

夢想很輕,所以很容易就飛走了  

你知道這世上什麼最廉價嗎?



答案是夢想。很意外對吧?夢想,不該是世界上最寶貴的東西嗎?



4/11,我在中華民國微電影協會做了編劇實務的分享,在場的朋友都對於台灣編劇的待遇及得不到尊重,感到不可思議。



華人的想法有時總是矛盾,人人都覺得劇本超重要,是一劇之本,但生產這「一劇之本」的編劇待遇,卻往往是整個劇組中最糟、最低層也最沒有保障(你辛苦工作了一年可能一毛錢都拿不到)的。



在台灣,編劇對一部戲的影響力極小(此處專指電視圈,電影有時更差),不僅對導演、演員沒有決定權,而且還必須隨時待命,為任何突發狀況修改原本安排好的劇情。



如果我們看看美日韓等戲劇水準領先世界國家的編劇地位,我們不難明白,為什麼台灣的戲劇一直發展不起來。



大家都以為演員是最重要的,一個大牌明星可以吸引到觀眾的目光,但大家忽略遺忘的是,楊丞琳、林依晨、明道、阮經天、陳柏霖等等知名大牌,當初之所以會走紅的原因。



都是因為演了一部成功的戲劇作品。這個作品給了他們一個討喜的角色,給了一個讓觀眾認同他們的機會,而這個機會,是編劇創造並賦予他們的。



沒有徐譽庭,就沒有程又青和大仁哥;沒有流瀲紫,就沒有甄嬛與華妃。(請問當甄嬛傳走紅後,有誰知道、關心誰是流瀲紫?)



華人的圈子不只短視近利,而且還看不見事件的前因後果。打了勝仗是演員的功勞,功成名就;吃了敗仗是編劇的問題,熬夜隨時待命修改劇本。



這便是編劇的實務,而我們這群在編劇圈持續掙扎並試著不斷精進的人們,在如此不公平的待遇下,還甘之如飴做個不停,不是因為我們腦子壞掉,而是因為,我們是擅於做夢的一群人。



有夢想的人最傻,最便宜,最能過不是人過的生活。



但說這些一點幫助也沒有,所以我在演講中,分享了我如何在逆境中求生存的技巧,如何更有效率的產出劇本,以因應業主永遠都有的修改理由,兩個「更」,更快,更有彈性。



我談了起承轉合四個階段,和每個階段該有的任務。微電影時間短,相較於一般電影的十五個節拍,四到六個節拍差不多就滿了。



認識戲劇的組織結構是重要的,我們需要先認清楚我們要做的工作,拼圖中少了哪塊拼圖,我們才能知道我們該做什麼。



為了拓展我們有限的知識與見識,多針對你的主題去搜尋與研究是重要的,研究包含查詢相關資料與細節,以及多看與你要寫的題材同類型的作品,看看別人的安排,瞭解故事可以怎麼說。



很遺憾我們出生的太晚,有太多大師站在我們前面,指引我們正確的說故事方式與框架。我們的工作就是把新鮮的元素放進這個框架中,就像把新鮮蔬果放進果汁機裡,如果沒有果汁機,相信我,再新鮮的蔬果都不可能變成蔬果汁,就算變成了蔬果汁,新鮮的可能也不新鮮了。



同時,我們必須認清編劇的工作其實是在叫賣,向觀眾推銷某些東西,無論它是商品或情感或議題或思想甚至只是一種謎樣的氛圍,你都試著將某樣東西放進觀眾的腦袋裡。



為了這些新鮮的元素,我們需要去多挖掘生活中的人物、衝突與情感,這些東西會為我們帶來故事,而我們的工作便是將它發展、組織成腳本。



如果我們為了填飽肚子,不得不賣商品(事實上在台灣大多數的微電影都在做這件事),我們要做的不該是抗拒,而是試著在叫賣商品的同時,也能舒服的說個好故事(詳見微電影作品的商品置入技巧 )。相信我,你自己不舒服,觀眾也不會舒服的。



事實上,我不認為編劇應該抗拒微電影的誕生(相信我,很多編劇視它為毒蛇,因為他們覺得微電影的廣告意味汙染了他們工作的神聖性),反而應該擁抱並接受它。因為這個新媒體提供給我們一個新的空間與舞台,給了我們更合理的待遇與發表機會,我們不該拒絕它,而應該認真的將它改造與提升,使它既能承載它的商業目的,又能兼具娛樂性甚至藝術性。



當然,前提是,你願意加入這個夢想事業的行列。



我有一個夢想,希望有天華人戲劇圈中編劇的地位能夠向美日韓看齊,這是一段漫長的旅程。我試著讓更多人瞭解編劇的重要性,讓那些以為「編劇很簡單我也可以」的傲慢人士知道編劇的專業所在,也透過分享關於編劇的Know How給大家,讓那些以為「編劇很難我想但我不行」的有志之士能夠更快的步上軌道,同時也讓自己能不斷學習成長。



因為只有這個圈子的環境變得更理想,有更多人願意加入,台灣戲劇的水準才可能提升。



就像很多人覺得慈善組織的執行長或社工人員不該領和商業領域相同的薪資,儘管他們做的是相同的事,因為你是慈善組織,你必須犧牲、有愛、有夢。於是有能力的人都去做生意了,沒有人想做慈善,做些對社會更有益處的事。



我們又怎麼能期待有才華的人自願留在編劇圈裡任人糟蹋呢?



夢想,是最廉價的苦差事。但它不該是。



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