皮克斯故事技巧22之11──別把點子放在腦裡

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你是否也有好的點子,時常在腦中蘊釀、沉澱,卻始終沒有把它寫下來呢?



或是你常常速記了許多腦海裡閃過的點子,但永遠都只是「把它記下來」而己?



這兩點都是非常可惜的,因為你可能有機會成為偉大的作家,卻把自己的才華浪費在速記員的工作上。



皮克斯的故事技巧明確的指出這件事:把好主意寫在紙上「不斷地修正完善」,「不表達出來只會爛在腦子裡」!



人的大腦是非常有趣的,它擁有極為強大的處理能力與創造力,但它只會處理「你問的問題」。所以當你把它用在記憶,它就默默記憶,當你用它來發想,它就默默發想,當你用它來解決問題,它就默默解決問題。



而一個故事的形成,其實就是不斷解決問題的過程。當你有一個絕妙的概念或場景在腦中形成時,請趕快把它記下來,並且開始試著完善它。



如何完善?你可以開始前後延展,前面需要些什麼事?後來會發生什麼事?角色是什麼樣的人?他的人際圈如何?個性如何?有沒有什麼特點或弱點?他是生活在什麼樣的世界?



試著問自己更多的問題,然後去試著回答它們。



好的點子就像一枚種子,如果你不灌溉它,它就會永遠保持種子的狀態。你細心的把它放進土壤中,也有可能在灌溉的過程中莫名死去。但好消息是,它們比植物優秀的是,它們都具備起死回生的能力。



當你灌溉過一百顆種子時,你可能開始具備有讓第一顆死去的種子復活的能力。



你會突然間明白,要用什麼樣的設計,可以使原本前後矛盾的環節運轉,你會知道怎麼讓原本無趣的故事,變得趣味橫生,你會瞭解到原來你以為無法成立的故事,其實有不同的角度和拼貼,可以讓它運轉起來。



這一切都源自於你開始給你的點子更多的養份,而不只是把它放在腦中與筆記本裡,等待它們被時間遺忘。



就從今天開始,讓它們開始發芽吧。

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用對白建立有意義的動作








小農之前談過很多次「動作」大於「對白」的概念,你如果想寫出一部出色的作品,一定要學會使用動作去表達角色的想法和情緒,用畫面來說話。



但難道在電影之中,對白是毫無意義的嗎?當然不是,對白與動作其實是好朋友,只要你懂得善用對白,其實你可以用對白把沒有意義的動作,變成充滿力量的畫面。



以《間諜橋》為例,在橋上蘇聯間諜與美國間諜即將進行交換,主角唐納文擔心,蘇聯間諜回到祖國,真的還能被信任嗎?蘇聯會不會以為他洩秘?會不會以為他被美國吸收成了反間諜?會不會對他嚴刑拷打?



編劇在這個Moment有兩個選擇:



一、讓答案隨風而去,任憑觀眾朋友自行想像。這個方法有點壞,但也不見得無效,還能留點餘韻,只是必須冒著故事力量減弱和觀眾想揍人的危險。如果這個信任問題又剛好是全片的核心,你還故意不說,那情況又更糟了。



二、說個明白。為了給觀眾一個交代,你當然必須說個明白。但要說個明白,有時必須大費篇幅,有時又會破壞美感。我們常會發現一個古怪的情況,一個有力的畫面,往往都在說了個明白之後,變成了一個無聊的結尾。



於是對白與動作成了好朋友,用演的,沒說明白,但吐露了一些線索,供觀眾玩味。



唐納文問間諜:「他們會信任你嗎?」



間諜回答:「你看他們是擁抱我,還是只是請我坐在後座,你就知道了。」



一句話,就創造了一個懸念和有力的動作,究竟,當間諜走向他的祖國時,會得到擁抱還是後座呢?(答案請自行進電影院品味~)



這就是一個巧妙的設計,透過對白,讓角色的動作產生意義,這個技巧也很常用在愛情故事上。



總會有人說:「你請他吃飯,如果他摸摸鼻子有點為難,代表他喜歡你;如果他爽快的答應,還和你討論哪家餐館好吃,代表他只把你當朋友。」



當然,這個意見不見得總是準的,也可能是一個天大誤會的開始,但觀眾的心立馬在此刻被揪了起來,期待起接下來對方的反應會是什麼。



這個對白建立有力動作的技巧,你學會了嗎?

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《間諜橋》的小人物與大英雄








一個為敵人挺身而出,捨身悍衛心中真理,誓死不退的人物,你會如何描寫?



在《麻醉風暴》獲獎後,我曾寫過一篇文章點到了該劇集美中不足之處(詳見:《麻醉風暴》在關懷社會時,請別忘了身為人的部分),一個月後再看到《間諜橋》這部作品,覺得實在是為這個美學做了最好的註解。



一直以來,台灣電視電影在嚐試討論嚴肅議題時,總是容易「對事不對人」,把一個議題(或時代)挖得又大又深,卻對主角的人性刻劃過少著墨,使角色成了編劇說理揭密的工具。



這是一個非常可惜的結果,當一個編劇擁有足夠的慧眼去發掘一個素材時,如果懂得把重心放對,就能創造出叫好又叫座的作品。



戲劇的重點永遠在「人」身上,觀眾的眼球也總是跟著角色在活動。當一個議題很好的從環境進入到角色的生活時,儘管議題只是個配角,也能夠發揮出強大的力量。



《間䜓橋》中的主角唐納文(湯姆漢克飾),原本是一個保險律師,後來應政府要求,在美俄冷戰的最高峰,被迫替蘇聯間諜辯護。一瞬間,他成了全民公敵,他越想扮演好這個角色,他就越被社會、工作、家庭敵視。



你問我《間䜓橋》在說些什麼?我覺得它在談一個英雄的偉大,屬於英雄的素質,以及國家機器的冰冷與殘酷。



你問我《間諜橋》好不好看?它不是一部驚心動魄的作品,沒有什麼刺激心跳的動作場面,但它絕對是部勾著你心弦向前走的好看作品。



全賴編劇筆下的唐納文,是個人味十足的小人物。



你會在作品中看到唐納文身為父親、丈夫、律師、人類之間不同的面向,你會看到他的徬徨、困惑與恐懼,你會看到他脆弱與可愛的一面,他並不是一個刻板印象中的英雄,也不是無所不知的智者,他是一個受大局操弄無法自主的凡人,但他確確實實擁有了不起的精神與行為。



在整部片的結尾,唐納文完成任務回到家時,累倒在床上的畫面,把他的平凡表露無遺,卻成了最精彩的畫面。



是這個小人物與大英雄的結合,成就了這個角色,和這部值得一看的作品。

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什麼是結構?






如果你是編劇書籍和編劇課程的愛好者,一定對於「結構」這個名詞不陌生,但對於這兩個字實際指的到底是什麼,可能就有點一頭霧水。



小農在開始接觸編劇這門技藝,也對結構這兩個字的定義感到困惑,感覺每個老師、作家口中提到這兩字時,它們代表的意義都不盡相同,彷彿他們說的是「人生」。後來在通常無數的交叉比對和討論後,小農最終終於豁然開朗,其實也沒這麼複雜,實際上是相同值得細細品味的。



結構(Structure),在英文的字義上,用的是和蓋大樓建築學裡的是同一個字。如果把劇本當成一棟房子,結構就如同裡面的鋼筋骨架,無論你房子的外牆、裝潢是怎麼樣的千變萬化,結構的骨架都是相似的。



房屋結構在一開始的用意無它:提供一個最堅固的組合方式,好支撐住整個房子,在添加了外牆、裝潢、家具和無數的踐踏後,可以依然安然無損,屹立不搖。



這就是所有文學結構的根本:起承轉合。一個最堅實的故事組合方式,告訴我們你只要先說什麼,再說什麼,整篇文章就會流暢易讀。



但隨著時代的演進,房子的建造並不只為堅固而已了。人們開始對居住有了各式各樣的需求,要通風、要散熱、要禦寒、要高、要美、要隔音、要防潮、要抗震⋯⋯因此房子的結構骨架開始改變了,為了適應各式各樣的需求,不同的結構誕生了,每個結構都有不同的優點和缺點,也都有適合的材質和極限,文學也是這樣。



我們從小國文教育給我們的,始終是最遠古的「堅固文章」,但文章的功能是多樣化的,用來思辨的、用來抒情的、用來辦公的、用來驚嚇的、用來媚惑的⋯⋯因此不同類型的結構開始產生,而且有粗有細,用來支撐各式各樣的素材和技巧,使整部作品不至於在承載過多的資訊後變得雜亂無章或平淡無味。



而朂終「結構」這件事在時代、哲學、政治、評論家與文學家的努力下,形成了「結構主義」這個美學巔峰(這句話也總結得太總結了吧XD)。後來漸漸什麼事都可以結構一下,做為某某區塊的討論,比如情節順序、整體包裝、角色安排等等。



但跳過複雜的理論不談,簡單一句話解釋結構:結構就是「東西組合的方式」,或用另一個說法,結構就是「你組合了什麼?怎麼組合的?」。



這也是為什麼「結構」這兩個字這麼萬用了,因為劇本當中能夠組合的東西太多了,幾乎你每個選擇都會形成一個組合,一個結構。所以下次當再有老師或文章提到「結構」兩字時,你不用再心慌慌,只要冷靜下來,確認一下,他是在談「什麼東西的結構」。



但結構這件事,和我們的創作有什麼關係呢?關係可大了。事實上,學會去看懂結構,對於你在創作上或評論上,都會有飛躍性的進步。當你學會這件事時,你也可以開始結構來結構去,在喜歡的女孩或學長面前賣弄一下學問了(喂~)。



為了便於學習,小農建議初學者可以先從三個結構開始練習分析(如果你是創作者,試著把它運用進你的創作中):

一、劇本整體結構

二、角色設定安排。

三、元素結構的一致。



小農將各別寫作一篇專文來討論這三個結構,當你這三件事都瞭解清楚後,我們就可以進一步聊聊「得獎作品怎麼寫」了。



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寫文不忘廣告,小農10/25(日)晚上將在台北舉辦一場講座,主題是:如何將真實故事改編成劇本?

歡迎有興趣的朋友報名參加,絕對讓你不虛此行!

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皮克斯故事技巧22之10──明確自己究竟喜歡的是哪些元素



相信每個創作者都有類似的經驗,看到一部作品,覺得真是太棒了,期待自己也能寫出一部相同的作品。



在你捲起袖子前,請先思考一下,你到底是喜歡這部作品的什麼?



身為編劇,小農絕對反對抄襲,但也無法否認天下文章一大抄的事實,但這個「抄」字指的,到底是什麼?



其實所有的學習都是從模仿開始的,模仿讓人有目標,也讓人有樂趣,但模仿無法使你獲得「成功的成就感」。這是一件顯而易見,卻很少有人深入看懂的事情:每個功成名就的背後,身為創作者,其實我們在追的是創作為我們帶來的滿足感與成就感。



這也是為什麼有些藝術大師會在自覺自己江郎才盡時選擇自盡,也是為什麼永遠有大師為「下一部無法更好」而焦慮。因為我們真正要的都不是金鐘金馬,而是「證明自己」。



所以當你在抄時,你應該要試著去拆解你眼前的作品,去找到這個在你眼前閃閃發光的東西,到底是哪個部分吸引你。



是角色設定嗎?還是人物關係?還是表達這個角色的方式?是誇張的情節安排?還是堅貞的愛情?陰狠的詭計?趣味的笑料或與社會議題共鳴的方式?



皮克斯第10個建議就是:把你喜歡的故事打散,明確自己究竟喜歡的是哪些元素,然後才有化為己用的可能。



你的抄襲是為了學習,你的創作是為讓下一次創作更好,如果你能在這個點上把眼光放在正確的焦點上,你會成長得很快。



在你還不夠茁壯前,不要光是「為了抒發自己而創作」。那是一件非常可惜的事。因為你絕對可以為了抒發自己而創作,但你同時也可以學習怎麼抒發,可以與讀者產生共鳴,創造出奇迹。(是的,文字創作是個奇迹,把幾萬個符號拼在一起化成一股觸動人心的力量,難道不是奇跡嗎?)



學會拆解作品,是你學習成長最快的途徑之一。

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從《高年級實習生》淺談角色的塑造






同樣的直奔結論:這是近期最好看的電影之一,非常推薦大家觀賞,無論是在戲院或是家裡,都可以充分體會到這部作品的溫暖與幽默。(電影的宣傳並沒有成功傳達出作品的魅力,非常可惜,打在電影海報上的那句話和作品本身實在沒什麼關係)



近期確實非常少有這種類型的作品,有一點像溫馨家庭喜劇,卻又有很豐富的職人故事,我想如果以「工作就像你第二個家」這樣的角度來切入,可以更理解這部片為什麼能在這兩個區塊上取得成功,因為勞伯迪尼洛的角色就像是個父親,在這公司裡看顧著每個年輕的孩子,去以他豐富的人生閱歷給予他們在待人處事上的建議,使每個孩子都因為他而日趨成熟。



我們都很期待自己的筆下,能夠創造出像這樣鮮明又討人喜歡的角色,但到底要怎麼做,才能夠建立這樣的角色嗎?



一部作品在劇情上有所謂的起承轉合(可以參考舊文:起承轉合是什麼?),角色塑造其實也有起承轉合,只是它是隨著故事的進行在推動,所以不容易發現。



起:亮相。

小農已經不只一次強調角色亮相的重要性,亮相是觀眾對角色的第一印象,也是觀眾在劇情進行中,解讀角色行為的重要指標,亮相做得好,你的角色塑造就已經成功了一半。



在著名的編劇書《救貓咪》中提到,要讓觀眾喜歡上英雄,就必須讓英雄先救一隻貓,這就是亮相的一個很好的應用。在《高年級實習生》中,編劇是如何讓勞伯迪尼洛和安海瑟威的角色亮相的呢?這個部分我就不破梗,留給大家進場觀看,留意他們第一次登場時說了什麼做了什麼,在什麼情境下,再對應他們的角色,我相信你有所收獲。



承:發揮。

充分展現角色的特色。安排一些事件,讓他們對這個事件產生反應,無論是行為或語言,都是讓角色印象更鮮明的部分。在發揮上有很多的技巧,在此不一一列舉,也許未來有機會可以再寫幾篇文章深入談談,只簡單做些舉例。



第一個我們常用的方式就是對映,主角的發揮通常會建立在與配角的對映上,例如勞伯迪尼洛第一天上班,編劇就透過他與年輕同事擺放在桌上東西的不同,既表現出了他的鶴立雞群,同時也從他的東西看出他的性格(反過來也強化了年輕同事的性格)。安海瑟威的秘書忙得一點方法都沒有,這點也和勞伯迪尼洛產生了對映。



這同時用到另一個技巧「側寫」,也就是透過角色擁有的事物去強化觀眾對角色的想像,比如年輕同事在辦公桌上放著公仔,你馬上就可以聯想到宅男、重視個人風格與工作環境、對動漫和電玩的喜好等等形象,而勞伯迪尼洛的小時鐘、筆與筆記本等,則顯示出了他的講究與有條不紊。



比較直覺的方式當然包含了設計劇情,比如協助年輕男同事解決感情問題,但切記電影是一個連續兩小時的作品,所以你所設計的事件最好有階段和連續性,不要讓你的作品看起來像拼裝車一樣片片段段(這是目前大陸電影腳本常見的問題),會讓觀眾無法順利的融入劇情中。《高年級實習生》裡很擅於鋪陳這種連續性的情節,開頭的每個小事件都不斷的有後續,使整個故事充滿了讓人舒服的流暢感。



我們會從每個事件裡拼出角色的模樣:充滿正義感與責任感、溫柔親切、工作能力強、寂寞、永遠替人著想、敢於挑戰與冒險⋯⋯這就是勞伯迪尼洛飾演的班,有點像羅賓威廉斯,但更有一種騎士精神與紳士風度。



轉:揭露與抉擇。

一個立體的角色常有多個面向,但這並不僅是指他同時會十八般武藝或多重人格,而是指他有一些「像真實的人」的特徵。當一個角色只存在一個標籤,比如宅男、工作狂、敗金女時,他就「沒這麼像人」,比較像某種符號。所以你當然可以透過亮相和發揮去建立一個角色,但如果缺乏這個步驟,你的角色就會不夠立體(這與好壞無關,單純的就是不夠立體),如果主角本身不夠立體,觀眾就會比較不滿。



以片中兩個配角為例:宅男同事與忙碌秘書,秘書比宅男更立體,因為當勞伯迪尼洛得到安海瑟威的讚賞時,秘書崩潰了,哭喊著自己一直以來付出的努力,透過這個「揭露」,我們突然間在她身上看到一個拼了命想證明自己,即使犧牲了自己私生活也在所不惜的年輕女孩。



抉擇則是另一種概念,是透過一個兩難情境,讓角色在抉擇中去表達出自己真實的一面,因為好聽的話每個人都會說,但關鍵時刻的行為才是一個人真實的內在。那為什麼是「轉」呢?因為戲劇是一個變化的過程,什麼變化?角色的變化。這部分可以參考舊文角色的成長──談角色歷程,抉擇通常都會幫助主角進化,使他變成更好的人。



合:成長。

透過一個決心與行動,主角突破了自己,成長成一個更好的人。無論是無名小卒變成英雄這種外在的成長,或是迷惘少年找到人生方向這種內在成長,角色都透過了整部戲的努力,使自己到達了一個更好的領域。



以上請原諒我都只能舉配角的例子,我想這樣比較不會破壞太多大家觀影的樂趣。對於編劇有更進一步想瞭解朋友,可以帶著這些知識進電影院觀賞,相信你一定會有一個愉快的夜晚。



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皮克斯故事技巧22之9──如果構思卡關?




構思卡關是任何故事發生者都必經的事,而且隨時隨地都在發生。



卡關有兩種,一種是對於接下來故事可以去哪裡完全沒有概念,另一種是很清楚故事要去哪,但卻不知道怎麼走會更好。



如果是前者,小農鼓勵你回到編劇的基本功,把結構弄清楚,能夠幫助你知道現在自己要完成什麼任務。但有許多時候我們處於後者,你明知道接下來應該要發生什麼,但滿腦子充斥著的都是陳腔濫調與無趣的橋段(比如車禍與夢境),你為了一個新鮮的跳躍卡關了,而且常常一卡就卡了十天半個月。



除了小農曾經推薦過的曼陀羅圖法之外,皮克斯也針對這個情境提出了解法——挑戰不可能。




如果構思卡關,列出一份「下一步絕不可能發生的事」的清單,它往往能告訴你下一步應該怎麼做。




這句話表面上的意思是一種刪去法,當你把清單列出來,你眼前就是一條康莊大道,但其實這是只知其一不知其二的淺見。這句話深刻的意涵是,那些不可能發生的事,或者正是「真正應該發生的事」。



為什麼這麼說呢?因為戲劇我們常談的一件事情是:「情理之內,意料之外。」



意思是說:管他有多超乎想像,只要你有辦法解釋得有情有理,觀眾照樣會買單。



一份不可能發生的清單,是一條直接幫助你進入「意料之外」的捷徑,因為大腦無法同時處理兩件事,我們的思路容易受到「情理之內」的限制,所以寫起故事來常會「理所當然」,颱風就該泛舟不然要幹嘛,而沒辦法充分的發掘創意的可能性。



而當你先專注在不可能,而後再專注去思考「真的不可能嗎?」,你會發現突然找到了一條出人意表的故事線。



下回卡關時,別忘了試試看,幫自己開一道不可能的門,或許你看到的是不可錯過的風景。



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《麻醉風暴》在關懷社會時,請別忘了身為人的部分

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金鐘50開獎,《麻醉風暴》無疑是這次的大贏家,身為編劇的小農,自然對最佳劇本得主興趣濃厚,今天便找出作品來品味了一下。



小農看作品一向不喜歡「台灣本位」,也就是拿台灣作品和台灣作品比較,畢竟台灣影視算是一個相對落後的環境,如果還不能把眼光向外,那進步會相當有限。而當你拿《麻醉風暴》與國外無論職人類或社會類的作品比較,就會發現一個有趣的現象。



那就是在《麻醉風暴》中的角色,都沒有私生活。小農個人覺得這是一件很古怪的事,所有人都大義凜然,卻缺乏正義感以外的人性。



如果你翻出國外的職人類作品(如最近上映的《高年級實習生》)或是社會類的作品(如《永不妥協》)來看,就會發現除了工作和社會議題本身,角色的私生活與內心世界是有很大著墨的刻畫的,所以你會對角色有同情、有認同、有帶入感。但在《麻醉風暴》中卻很難有這種感受,因為這種元素是缺乏的。



主人公除了工作與心理創傷(心理創傷還是設計來為了揭開議題做準備)外,看不到其他身為人的部分,這是為了劇本結構而失去故事血肉很可惜的現象,卻也是進階劇本工作者容易迷失的問題。



在我們還不懂結構時,作品過於鬆散,但當我們學會結構後,作品又太過骨感。這樣的作品會更有得獎緣(因為看得到更多的想法和技巧),但卻不容易有觀眾緣(因為觀眾最在意的不是那些東西)。



而演員在面對這種骨感的劇本時,也會顯得施展不開。因為巧婦難為無米之炊,一個複雜的角色無法單靠表演就展現其複雜性,還必須有可以表現落差和不同面向的場景,留給觀眾腦補與想像的空間,這是編劇和演員之間可以彼此加分的關鍵。(就像你很難單靠一個場景,就塑造出深情不移的大仁哥,那是一個透過無數場景千鎚百鍊的結果)



我衷心期待看到台灣戲劇作品可以誕生更多多樣性的角色,不單只有正義與邪惡之分,不單只有認真嚴肅與偷雞摸狗之分,不單只有稱職與瀆職之分。因為真實的世界不是教科書,也不是道德手冊,而是一場人與人之間,矛盾與無奈的競技場。





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為什麼帥特務總是需要笨夥伴?




這次《不可能的任務:失控國度》找回了諜報片的本色,這種敵友難分的Fu才是諜報片中最迷人的部分,而不僅僅只是英雄面對超級難題的無敵狀態。



但今天小農不是要談敵友難分的故事設計,而是想分享一下,諜報片有種常見的可愛設定:「笨夥伴。」



在《失控國度》中,班吉明顯扮演了這個角色,但笨夥伴並不真的笨,他也可以有他獨到的地方(當然也有純粹很笨的類型),只是所向無敵的帥特務身邊,總有一個愛出包的搭檔,讓他大嘆不怕神對手,只怕豬隊友。



史上最出名的笨夥伴,首推《神偷奶爸》裡的小小兵。這群黃色小人不但害苦了他們的主人,還搶走了主人的風采,單飛拍了自己的作品,真是徹底的貫徹他們不弄死主人誓不休的宿命。



如果你試著檢視許多新人的作品,也會驚覺沒有設計笨夥伴,對於故事的魅力有多大的扼殺。



到底為什麼笨夥伴這麼重要?你或許可以剖析出千千萬萬的原因,但其實核心主要是三個要素使帥特務離不開笨夥伴:



一:耍帥是一件不討喜的事。

許多新人創作者,總是酷愛自己的英雄,想方設法安排了許多場景,就會了突顯他們主角的帥氣英姿。耍帥不犯法,甚至有一部分的創作者都是因為被某部作品中的英雄電到,才決定跨入創作的圈子裡,但千萬記得,無時無刻耍帥,講著酷酷又不著邊際的台詞,總是背對著爆炸場面的英雄,其實並不討喜。



後來再度開拍的《蝙蝠俠:開戰時刻》以降的三部曲,正是因為拍出了英雄的脆弱,所以廣受好評。那這和笨夥伴有什麼關係?因為如果沒有笨夥伴,英雄們就是一群耍帥到不行的人,A帥完換B帥,B帥完換C帥,沒完沒了,看在觀眾的眼中,他們就是一群天龍人,沒有太多認同感。



透過笨夥伴和英雄的互動,可以使英雄表達出親民、人性的一面,拉近他們與觀眾的距離。



二:英雄需要危機。

在結論上,主角的團隊可以是個所向無敵的團隊,但過程絕不能是個所向無敵的過程。《失控國度》的開場其實做了一個有趣的示範,英勇的阿湯哥徒手攀上了飛機,他的搭檔班吉偏偏給他搞烏龍,搞了半天弄不開機艙門,甚至還開錯門,連觀眾都想翻他白眼。



但正因有這些笨夥伴,英雄才有機會面臨真正的絕境與危機。你永遠必須把英雄丟進一個近乎絕望的深淵裡,再讓他們痛苦的爬出來,因為觀眾愛看的就是這一味。笨夥伴在這個任務上有絕對的天賦,把英雄逼得內憂外患,把自己逼得人神共憤,但他還是會用一張無辜的臉看著你:「人家盡力了嘛。」



三:笨夥伴總是製造驚喜。

許多人都會認為,笨夥伴的存在,是為了製造笑料緩和氣氛,其實這樣並無法提升影片的精彩程度。柯南今年的作品《業火的向日葵》就犯了這個錯誤,柯南劇場版行之有年,也建立起屬於柯南作品中的套路,其中阿笠博士與小朋友們的冷笑話猜謎是經典套路,但今年無論是冷笑話或是阿笠博士的新發明,都只是為了搞笑而搞笑,為套路而套路,其實反而顯得多餘又累贅。



笨夥伴絕對不能只是笨,他們一定要笨得很有用途,才能笨得充滿驚喜。



最理想的笨夥伴,他們總是會製造出讓你覺得無厘頭的意外,但這個意外卻真的「相當意外的」解決了英雄的難題。像博士不經意的講了個冷笑話,卻給了柯南一個重要線索的提示、發明了一個擺明是搞笑的機器,不料卻在關鍵時刻派上用場。《失控國度》開場的班吉就是這樣一個設計,開錯門擺明是個讓人白眼的脫線行為,但最後阿湯哥脫困時,你不得不回想:要是班吉當時沒有開錯艙門,阿湯哥真的可以化險為夷嗎?



這種笑料與危機解決合而為一,逼得你對笨夥伴不得不又愛又恨的感受,才是一個稱職的笨夥伴該有的出色設計。



你的帥特務有一個理想的笨夥伴嗎?快去設計一個吧!



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從《聖母峰》看「深刻性」的塑造




假日與太太一同去欣賞了IMAX版的《聖母峰》,關心好不好看的朋友,同樣的直奔結論:要看就看IMAX,無論如何別在家裡看,因為會睡著。



IMAX的影音震撼配上大自然的威力,事實上已經構成了進戲院觀賞的理由了,你會在過程中心跳加速、措手不及、揪心感慨,但這些劇情實在說得不多,所以把畫面關進小小的電視螢幕裡時,你大概會以為這是哪部忘了配上旁白的記錄片。



發生了什麼事?我想我們必須先丟開「好壞」這個概念,畢竟我們並不清楚導演真正想處理的是什麼,但小農我確實覺得這部片拍得不夠深刻。



不深刻本身可能是導演的想法,因為觀眾是人,深刻的意思粗淺來說是「人的故事精彩」,但導演可能希望展現「山」,所以刻意把人淡化,看完電影後的感受是覺得有各種面貌的人來爬山了,人是誰沒什麼印象,但山有多震撼你不可能忘記。



但我們不是導演,身為編劇,寫的是人的故事,所以我們就來討論一下,到底一個故事要怎麼說,才會使得它變得深刻?



關鍵一:觀眾需要有個焦點。

文本中必須要引導觀眾去注意一些事情,並且要讓這件事發展完成。《聖母峰》中其實有非常多的焦點,故事引導我們去注意愚蠢的商人、主角公司的財務危機、競爭對手的較勁心態、激勵孩子的勇氣、完成七大峰征服的執著、登山興趣(個人實現)與家庭美滿的矛盾⋯⋯焦點可多可少,但因為篇幅只有兩小時,所以太多的焦點會減少可以處理的時間。這些焦點在《聖母峰》中都幾乎無疾而終,像一場開了許多話題卻沒有人接話的會談,讓人充滿興趣,卻無法滿足。



關鍵二:焦點的深入——充分展開的兩難選擇。

那當我們丟出一個焦點後,怎麼深入這個焦點?你需要讓這件事被充分展開,直到一個兩難的選擇。《聖母峰》作品中其實在眾多焦點中都有試圖去鋪陳這些元素,以主角公司的財務危機為例,主角為了解決這個問題,找了知名專欄作家隨團採訪,為了不讓他登山團的名聲被砸,主角用盡心力的在各個登山團之間周旋,並且這個心病可能是造成最後全員面臨山難的遠因——非登頂不可,但問題本來就不是登頂,而是登頂後能不能平安下山。



再以郵差這個角色為例,他面對的是身體的衰弱與孩子對他的期待,他要向孩子們證明,再平凡的人也能成就壯舉,所以在他身體狀況最糟的時刻,他仍然選擇攻頂。難波這個角色則是完成了征服六山的壯舉,聖母峰是最後一座世界巨峰,為了這個里程碑,她必須攻頂。



但問題是,到達兩難選擇前,我們需要「充分展開」,也就是觀眾必須知道,這個兩難到底有多兩難。可惜的是,主角和難波的兩難沒有被充分建立起來,沒有足夠的戲份去表現他們對這些事情的渴望、焦急和退無可退。所以人的兩難只有郵差的最鮮明,他財力不足、去年差點成功、對自己的不自信、對孩子的承諾是他此生唯一當英雄的機會、所以他絕對不能不登上巔峰⋯⋯但問題是,他沒有回應一個正向價值。



關鍵三:回應一個正向價值。

正向價值,不是指一定要皆大歡喜,更不是道德論與說教,正向價值是一種鼓舞人願意面對殘酷社會的啟示。戲劇是一場追求,主角帶著他的渴望面對層層挫折,直到結局,如果他滿足了,這是喜劇,如果他失望了,這是悲劇,但無論悲劇或喜劇,背後都存在著一種正向價值。例如羅蜜歐與茱麗葉的故事,有情人無法終成眷屬,這是悲劇,但它背後卻有多重的正向價值:對愛的執著與無悔、對仇恨與鬥爭的嘲諷等等。多數悲劇主角的悲,都是在回應一個巨大的正向價值,反戰的、大愛的、堅貞的⋯⋯



但在《聖母峰》裡,看不見這種正向價值。郵差就這麼消失在雪白的世界裡、主角的殫精竭力看來是一場徒勞、難波的七山征服成了一場荒唐的鬧劇⋯⋯我多麼希望看一眼郵差念茲在茲的那些孩子,多希望看一眼他插在山頂的旗子在風暴之後,依然在山頂屹立不搖,就這麼一個畫面,我覺得我就會滿足的落淚了。但卻沒有。



片尾只有主角的女兒長大後,迷人的微笑,呃,為什麼要給我她迷人的微笑!彷彿在說登峰這件事無足輕重,孩子依然安好,總覺得哪裡怪怪的呀。



或許這就是導演想要的,山是巨大的,而人間的所有如此渺小,轉眼即逝,不值一提。



但如果一切真的都如此無足輕重,那登入世界之巔這件事,又為何讓千千萬萬人如此神往呢?









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微電影創作:從一個事件說起




隨著攝影工具方便性的提高,以及影音平台的普及,現在微電影拍攝漸漸成為一種趨勢,越來越多試著用短片來展現自己說故事的能力,但縱觀現在台灣短片,隨性的搞笑短片發展蓬勃,有故事性的「微電影」卻始終進步有限,除了題材選擇的單一性(偏好親情愛情的催淚攻勢),某方面來說,也是不習慣用短時間去說好一個故事。



微電影的長度理想應在10分鐘內,以符合網路觀影者缺乏時間和耐性的習慣(大多在零碎時間觀賞),但要在10分鐘內把一個故事說得生動,確實不是一項簡單的功課,小農在此提供一個小小的秘訣,幫助大家在構思時有一個較好的入口。



想在短時間內說好一個故事的關鍵是:從一個事件說起。專注的說好一個事件,其實是短片最強大的部分。



在台灣微電影早期的作品中,如《一或一起》、《我父親卑微的願望》等,都會發現還是一個較長的敘事結構,有頭有尾,有較長的時間流逝感,也因為這些作品的成功,使得後進的作品許多都往這個路線發展,用一個電影故事的架構,卻只拍攝最重要的大綱部分,使微電影變成「精簡版的電影」,而不是「短片」,確實讓微電影的發展受到了一定的限制。



但其實如果你多看國外的作品,就會發現他們更喜歡專注講「一個事件」,一種突如其來的奇思妙想、一個平凡生活中的插曲、一個精心計畫的瞬間。無關乎好壞,而是從這個角度去設計的作品,並沒有「沒頭沒尾」的感覺,反而很有聚焦的力量,而且更能在短時間內把故事說好,有許多甚至在5分鐘內完成。



所以讓我們試著回到「一個事件」,整個故事最精彩的那個核心,無論是一場求婚、遞辭呈的瞬間或是等待公車時的奇遇。你故事的「驚奇事件」是什麼?



多數微電影不夠精彩且鮮明的部分,也是因為缺乏這個「驚奇事件」,使整體變得太過平舖直述,理所當然。你還是可以發展你的故事增長來龍去脈,但應該先找到這個「驚奇事件」,無論驚奇的是事件本身,或是事件的解決方式或轉折,整個故事應該專注在替這個事件服務,如此你就可以發展出一個精簡而有力的作品了。



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從《換命法則》看失落的角色塑造

 


如果你是想知道電影好不好看,直奔結論,我沒有很喜歡。



身為一個編劇,在看一部作品的預告片時,都會對於一個題材的發揮抱有想像,而《換命法則》拿了這個「藉由其他身體永生不死」的題材,卻只玩了這樣的遊戲,我覺得是很可惜的。



因為這個題材本身包含了兩個大的議題:「永生的矛盾」與「新身體與舊生活」,但在這部作品的編劇卻選擇用一條規則,把這兩個東西都損毀了:「換身之後,你就徹底告別了原有的生活,原來的你宣告死亡,而你會有新的身份,並且禁止與過去的親友往來。」



而且主角還真的乖乖接受了這個條件。故事發展真的和他的舊生活分割得有夠乾淨,主角只剩一個朋友和一個女兒,還和故事沒有太大關係。



為什麼會說這是一個失敗的決定?因為這樣的決定,會錯過非常重要的角色塑造,而錯過角色塑造,作品就會失色而空洞,這是一部作品很難避免的命運。



一個角色的塑造,來自於他的行為。在故事的開頭,主角霸道的逼人失業、用錢想表達對女兒的關心,這兩個行為把它塑造成一個冷血孤獨的富豪,這是角色的亮相,角色塑造的第一個面。



之後主角就換殻了,開始了他的新生活,以一個神秘富豪的身份活著,卻發現他的新身體是來自於一個擁有家庭的活人,而不只是無意識的身體,於是他決定要保護這個家庭,選擇了被追殺的生活。



為什麼?難道只因為那個小女兒很萌?



雖然在影片中主角說:「這女孩的年紀和我女兒離開我時同年。」但整部影片中我們完全沒看到他與他女兒的深厚情感,單薄的一句話無法支撐一個生死交關的決定。



一個角色性格的轉折與抉擇的理由,最忌諱的便是為了「公平、善良、道德或是大愛」,因為那「不是人類的選擇」。



不要誤會我的話,我不是指人類都是邪惡的,而是角色必須具有一致性,如果在開場時他是一個冷血的富豪,他就必須一直是一個冷血的富豪,如果你希望他是一個表面冷血實際善良的富豪,你必須給觀眾線索,如果你希望富豪隨著時間過去,從冷血變得溫暖而有人性,就必須給觀眾有說服力的過程。



越大的轉折,需要越有力的理由,同樣的越大的付出,必須建立在越強的理由上。



人們選擇的理由百百種,但其實根源只有三個:性格、現實考量、價值觀。而當這三點矛盾時,就必須彼此角力。比如像《換命法則》中,替陌生人賣命很明顯的不符合現實考量,那就必須建立主角在性格和價值觀上的強度(建立是指在劇情中的建立,不是漫長的角色小傳),才會有說服力。但在你將過去切割得乾乾淨淨的當下,性格和價值觀都幾乎失去了建立的空間。



一般我們在看角色塑造,或常聽到的「立體的角色」,都是在看這過程中角色的變化與揭露。當角色亮相完,一直到結局始終是個冷血的富豪,那我們就會說這是一個扁平的角色,扁平不代表不好,就是扁平而已。但如果隨著劇情推進,角色開始在「合理」的引導下,顯現出了第二面第三面甚至第四面,成為一個表面冷血內心善良帶著邪惡幽默感的行動派富豪,那他就成了一個立體的角色。未來有機會小農再專文寫一篇關於角色的文章來更深入談談這個議題。



總之,《換命法則》明明拿了一手好牌(好的題材),卻玩得有點不三不四,實在是非常可惜的一件事。按照道理來說,這個題材只要調動一點設定,其實就會增色不少。



首先是富豪的角色塑造,如果在他換殻之前,可以多一點他表面冷血實際上正義感十足,甚至內心一直期望自己能成為英雄的渴望(當初成為大建商就是為了幫助更多人有地方住,沒想到走到最後卻適應了社會環境而變成冷血富豪之類的),沒想到一心想成為英雄的自己,最後卻連女兒都成了對抗他的人(女兒成了打倒邪惡建商的民運代表)。



換殻後,富豪不只是享受年輕身體的玩樂,同時還開始實現了自己想當英雄的美夢。沒想到就在他覺得自己重生的時刻,赫然發現自己的新身體有一段過去,而且有需要守護的家人。



最開始的時候,體內的意識和主角相互折磨,妻子也痛恨主角,但在發現真相後的一連串大逃殺,甚至連自己原本的女兒都被捲入,主角卡在「自己的爽快生活」與「正義英雄的渴望」之間,他隨時都可以選擇放棄抵抗,回去過他的新生活,就在幾度要放棄的邊緣裡,主角冰冷強硬的偽裝終於破碎,顯露出自己最脆弱的部分,新身體的妻子在過程中受到主角堅持的真誠感動,進而愛上了這個擁有新人格的丈夫。



體內的意識與主角進行了和解,放心的離開人間,但事實上,兩個人的人格其實已經融合(可以透過一些舊人格的習慣動作來表示),一起在新身體中共存共榮。The End。



還沒看過電影的朋友,可以試著對比一下我說的這個大綱和電影原始的樣貌,就會明白為什麼我只做了20%的設定調整,卻發揮了超過80%的加分——因為角色變合理了,過程掙扎更人性了。



或以這個題材做大幅度的改造發揮,其實我腦中有一個更有趣的版本,是讓主角當邪惡的大壞蛋,透過換殻技術去體驗他想體驗的人生,比如他想當搖滾巨星,手下的組織就會去獵殺一個符合條件的歌手,供他換殻使用,就在這個相當於「征服世界」的遊戲讓主角沉浸時,他意外發現他換殻的角色有個秘密身份,而且居然是自己女兒的秘密情人,他這時也才知道,自己的女兒居然私下運作一個要摧毀自己地產帝國的計畫,他該除掉自己的女兒?還是配合?他要丟下這具身體(他再換下一個身份,這具身體就會死亡,但這身體是女兒深愛的人)?還是成為女兒的愛人?



這樣的故事發展又比之前那種單純英雄救贖式的故事線更耐人尋味而且充滿樂趣。



可惜好萊塢不認識我~(被毆飛)

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從《腦筋急轉彎》談故事的衝突

 

《腦筋急轉彎》再次證明了皮克斯故事工廠的創意實力,將這部作品標榜為「全新原創故事」確實一點也不為過。



長久以來,全球故事界都面對一個巨大的瓶頸——衝突的重覆。我們都面臨故事必須靠著衝突不斷的前進,但在人類悠長的故事史上,人類行為的衝突幾乎都被說遍了。莎士比亞的偉大,在很多時候是因為他提供了許多故事經典的原型與人性衝突的可能性,而後世大多數時候都在努力耕耘兩件事:相似的衝突,如何說出新鮮感,以及深入人性更幽微之處,找尋新的衝突可能。



容我雞婆的重申一次,這在編劇圈已經是常識,但「衝突」這兩個字還是時常被誤解。衝突代表的是「需求」+「障礙」。(可參考「有戲與沒戲」一文)



但太陽底下沒有新鮮事,當故事成為一個產業,日常生活就開始被生吞活剝,原有的故事類型從英雄講到了小人物,從男性談到女性談到同性,從國家大事談到日常瑣事,從歷史談到現代談到架空世界,受歡迎的作品被留下,創作者越來越瞭解讀者與巿場,不同類型的故事開始建立起自己的模組,不同國家的說故事人也建立起自己的模組,於是我們看到了被核彈與恐怖份子填滿的美式英雄與間諜片、被黑道毒品與內鬼駕御的香港警匪片、日常生活總有奇妙荒誕情境與怪人的日式劇情片等等(其實日本應該舉例純愛、友情、努力的動漫才對XD)。



這就是所謂的「相似的衝突,如何說出新鮮感」。近年來流行開始將不同的類型重組混搭,暫時替這個挑戰找到了一個出口,但編劇和觀眾永遠不會就此滿意。



而另一條路,就是開始尋找新類型的衝突,如果顯而易見的衝突都被講過,那有沒有那些更個人化、小眾化、不被看見不被明白的衝突?大多數「看不懂」的作品都是這樣來的,因為導演與編劇(通常是同一人或編劇完全服務於導演的組合)細膩的觀察、豐富的知識與個人的偏執,他們處理的都是一些「你必須讀過超多書」、「你必須超專注」、「你必須超有同理心」或「你願意超任性」才能夠看懂的衝突和議題,所以你才會經常聽到「這個作品講的是一種少年狀態的焦慮」或「那是一種人生甘苦滋味」之類的評論。(這是一個很好的提示給所有想挑戰藝術片的朋友,如果你不要抱著「被娛樂」或「被教育」的期待,任性一點的把自己投射進藝術作品裡,去享受思考的樂趣,你會找到觀賞這種片的趣味,當然,如果你看電影是為了放鬆和娛樂,就別折磨彼此了)



選擇這條路,代表你放棄了多數人可能經歷或可以理解的情境,而能理解你作品的人數下降,就代表票房的下降。這不是商業電影或想透過這行賺大錢樂見的結局,多數青年學子對這個標新立異的區塊樂此不疲(但通常他們不是想清楚了才做這件事),小農建議大家腦袋清楚一點,如果你想任性,就請放膽任性並提升專業知識(不然都以為自己在做新東西,但其實可能18世紀就流行過類似的東西),如果你希望搏票房搏掌聲,就請好好把故事講成會受歡迎的樣子。



這次皮克斯的《腦筋急轉彎》,確實是巿場上少有新鮮感十足的作品。如果單純的以外顯故事來看,它就是一個幾乎無聊到爆炸的故事:一個少女因為搬家,無法適應新環境,差點喪失自我卻突然頓悟想通的「內心戲」。但皮克斯利用動畫的優勢,把那些內心戲都做出來了,而且這些內心戲不是內心的小劇場,而是大腦各種運作機制的擬人化。



這個故事原型,讓人不禁聯想到三五十年前的作品《聯合縮小軍》,當年在特殊攝影和後製技術剛茁芽的時代裡,這些以各種方式將人類送進人類體內以解決疾病問題,背後暗自進行健康衛教的作品,充分滿足了當時社會對於人類身體器官的好奇心,對比於現在《腦筋急轉彎》許多觀眾的映後心得,也可以發現這個作品大大的滿足了現代人對於心理機制和情緒根源的好奇心。



更進一步的,這個作品把內在情緒這個「自己的事」,透過幾個情緒小精靈的代表,轉變成「別人的任務」,創造出了一個巧妙的投射——每個人腦中也有自己的樂樂、憂憂、怒怒等守護者,在每分每秒都認真的守護著我們。而精靈們守護女孩的過程,也是我們在成長過程中性格所面對的每一個危機,甚至有人願意犧牲自己,只為了保護我們的完整,這是一件多麼溫暖而美好的事。



這也讓我們看清楚了衝突的根源,所以渴望的核心——我們想要「快樂」而「完整」的自己。那些名利愛情核彈危機,都是每個人彼此之間為了快樂而戰的包裝。如果你能看見這個衝突的本質,在你構想故事時,你就比較能跳出呆板故事的漩渦,除了正與邪、貧與富,有沒有讓人不快樂、迷惘、矛盾、沮喪的時刻,是需要我們筆下的角色需要去面對和克服的?



把它挑出來,找到最能夠勾起其他人回憶的那個,用充滿樂趣的方式把它說出來。 

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殞落的2015驚奇4超人,失敗的商業策略

2015驚奇4超人  

小農是非常喜歡看超級英雄題材電影的人,對於Marvel英雄之父Stan Lee萬分佩服,也回頭追了不少年少時錯過的Marvel作品(例如李安版的綠巨人浩克,還真不是普通難看XD)。



這次《驚奇4超人》重開機,我在還沒有看過舊版的情況下,滿懷期待的想去補完這個號稱Marvel史上第一組英雄團隊的作品,但開演後一路到中場,卻讓小農大失所望。



到底哪裡出了問題?離開電影院後,我反覆在思索這個問題。因為對我而言,一間成功的商業電影公司,不可能犯這種基本的錯誤,尤其是擅長超級英雄電影類型,又曾在李安綠巨人一戰跌過摔的Marvel。



回家之後,我將舊版的驚奇4超人1、2集找了出來,沒想到出乎意料的好看,再次證明了我的猜想——不是故事原型的問題。而且舊版和新版的世界觀根本完全不同,這個調整到底出了什麼差錯?難道只是因為霹靂火的演員跑去演美國隊長了嗎?



小農不是Marvel內部的人,無法得知事實真相。但根據影片的質感,我私心的判斷——是商業策略的失敗。



什麼意思?簡單來說,2015重開機版的《驚奇4超人》,不是拍給成年人,甚至不是拍給青少年看的。它是拍給兒童看的。



姑且不論火辣的隱形女一點也不露,演員們的氣質與角色設定舊作相比,明顯低了5~10歲,故事的開場從童年的哥兒們開始說起,中間經歷一段類似叛逆青春期的純愛,明顯缺乏的暴力與情愛元素,老教授的古板說教、邪惡大魔王的幼稚動機等等,在在都讓整部片的質感更偏向校園青春劇,而不是超級英雄片。



如果打開Fox的電影版圖,確實可以發現福斯旗下能夠攻下青少年及兒童版圖的知名作品幾乎沒有,對於Marvel旗下從大英雄天團到鋼鐵人,清一色都是老少通吃的作品及角色,會有企圖運用《驚奇四超人》來進軍輕齡巿場的想法和規劃,不難想像,但卻顯得目光短淺。



像鋼鐵人和美國隊長這類的作品,故事本身其實離青少年和兒童題材很遠,但卻很能夠打入輕齡巿場,為什麼?因為英雄本身的形象是鮮明的,無論在造型上或個性上。超級英雄本身就是一個老少咸宜的題材,講的是平凡人的蛻變,以及成熟者的抉擇與責任,把故事建立在「令人嚮往的英雄」上,會比「硬要和目標客群同質」來得更有效。



《驚奇四超人》的四個角色,本身就有鮮明的外形,只是個性上不夠突出,又以團隊合作的方式出現,必須平均戲份,每個人能秀的空間就被壓縮了。如果要強化這個部分,建立更強烈的增加團隊合作的團體感,才是「英雄組合」有機會殺出重圍的關鍵。



但無論如何,舊作的詮釋其實更能展現出四個人的個性獨到之處,但新版的四個人幾乎沒有明顯的差異。看看新版的霹靂火亮相,多麼彆腳的賽車場景,對照舊版霹靂火騎著重機親吻辣妹的特技演出,完全沒有招架之力。這兩者的差別,都可以拿來當成教材供後世編劇引以為戒了。



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寫對白前必備的三個觀念(三)

 

第三:用行為寫性格,別只用對白寫性格,更別用形容詞寫性格。



許多新手編劇喜歡用對白來試圖刻劃人物,粗魯的人就是滿口髒話,書呆子就要講話充滿理論文謅謅,更常見的是用旁人的議論直接給角色「貼標籤」,他是一個溫柔善良的人,他是一個活潑的人,他是學校的風雲人物⋯⋯



當你這樣做的時候,基本上你的劇本就已經死掉一半了。因為這樣都容易導致無聊的對白、死板的情節和停滯的節奏。



能最有力刻劃人物的,是行為,而行為,指的不是翹腳、吐痰,而是角色對週遭環境的反應。



在自己家裡翹腳,他可以是任何一種個性,但如果是在老闆面前、重要會議上翹腳,那這傢伙要嘛囂張過度,要嘛玩世不恭。



他都還沒說話呢!



同樣的,當路邊有人遇到麻煩,選擇迴避和選擇見義勇為,這個角色的個性也是不同的。行為本身比語言更有力,所以與其設計對白去突顯角色的個性,設計一場戲來突顯角色會更有效,劇本也會更精彩。



不要安排幾個花癡,對著主角指指點點說他是一個危險人物,直接安排一場追逐或衝突,表現他「有多危險」,是比較精彩的選擇。



當你開始用這種方式思考劇本,你會發生你的劇本結構開始變得不同,不會永遠是以閒聊開場,以問答前進,以突然想起什麼進入下一場戲。



自然,在你寫作對白之前,你的劇本就已經比別人精彩十倍了。



回頭看第二個觀念

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寫對白前必備的三個觀念(二)

 

第二、對白就是對話,是幾個人,為了某個目的,在某個地點,某種情境下而說的話。



你一定要把上面這句話的填空題填完,才有辦法繼續寫下去。對白是有場景的,讓兩個人在一片空白中對話,是不可理喻的。



但當你給了角色身份、場景、時間、目的後,對白就突然鮮活了起來。



因為我們每天都會因為說話的對象不同、地點不同、情境不同、目的不同而選擇說些什麼,還有不說些什麼,所以如果這些事情沒有弄清楚,你就不可能精準的知道角色話什麼能說,什麼不能說。



沒有這些東西,就不存在所謂的「潛台詞」,因為你沒有提供媒介來傳達它。



舉例來說:



兩個男生在酒館裡的對話,與在球場上的對話,就算同樣是要寫「確認對方是不是也暗戀同一個女生」,內容明顯是全然不同的。



當然,如果你還能替這段對話加上動作,整個對話就會變得更精彩,一個火鍋、一個失誤、一個上籃進球,就可以不言而喻很多事。



同樣的,相同的一句「最近怎麼樣?」,出現在久別重逢的早餐店、深夜失眠的手機訊息裡、生死決鬥前、舊愛婚禮上,完全是不同的情感。



所以對白不是只有用嘴巴在說的,是同時使用場景、動作、情境在呈現的。編劇應該要懂得運用你所能調動的所有武器,既然一切都是你說了算,那替你的角色找足一切加分的工具,絕對是你的責任。



千萬不要嫌麻煩,也不要把設定當成是一種交代作業,而是該把這些當成創意思考的元素,幫助你的對白更鮮活。我常看到許多新人編劇,照著編劇書上的指導,寫出了落落長的人物小傳、背景設定、故事發想等等,但完全沒有在劇本中發揮作用,非常可惜。



寫劇本不是在交作業,沒有人規定你一定要怎麼寫(除了格式為了讓業界看懂所以有統一),那些劇本以外的工作,都是為了幫助你的劇本內容。如果你沒有從這個角度去設計和構思,你就會面對無數次的死板、單調與卡關。



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寫對白前必備的三個觀念(一)

想寫出精典對白?先看看這些文章吧~  

對白是戲劇裡非~~~~常重要的元素,就像飯麵之於人體,對白就是觀眾的主食,沒有它,劇情再精彩,總會覺得好像沒吃飽似的。



對於剛入門的編劇而言,對白常是最艱難的挑戰,常常故事都在腦海裡了,但打上主角名字加冒號後,就停在那裡動彈不得。



另一種情況,則是對白下筆如流,但洋洋灑灑幾千字的結果,卻是拖戲的贅句連篇,完全不堪用。



如果在最開始,就陷入「對白」這件事裡,確實容易讓人一個頭兩個大,但其實如果你在開始讓人物彼此對話之前,就先有三個重要的觀念,做好準備,你就不會覺得對白充滿障礙了。



第一:別用對白解決事情。寫對白是一種扮演,而不是一種交代。



許多編劇之所以寫對白的理由,是「不得不寫」。



我必須讓觀眾知道這個、知道那個,這樣我才能讓角色去做這個、去幹那個......而為了讓觀眾知道這個,必須要讓角色說出這件事,但是他們不能一見面就說這件事,所以我需要他們先聊聊天,聊什麼呢......





這個推導或許沒錯,但是當你滿腦子都只有「自己的企圖」時,你就註定寫不出角色的對白,這是理所當然的。



因為寫對白是一種扮演,你以那個角色的身份、能力、立場、心境說出當下他會說的話,你是在扮演他。



企圖「只靠對白」就讓角色一路說說說說到你希望他們說出來的話,就是所有新手編劇卡關的關鍵。



你需要的是把角色放到對的位置,替他們找到對的對象,在一個對的情境下開啟對話,這樣才會真正的幫助你能夠在專心扮演角色的情況下,自然的說出你希望他說的事情。



對白就是對話,你之所以說話,是為了解決一些事情。角色也一樣。



如果你不先讓他們不得不說,角色就會像個冷漠的大人,而你就像個尷尬的朋友。他盯著你,一言不發,讓你感到渾身難受。



點此接著看第二個觀念

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這樣寫最難看系列6──沒有時間壓力!!

 

馬修來到了黑森林的邊緣,天色已經黑了,據說夜裡的黑森林最是危險,那是傳說中的怪獸出沒的時間......



於是馬修在鎮上舒服的睡了一晚,等到天亮,輕快而安全的穿越了黑森林。



等等。馬修不是應該要和傳說中的怪獸撞見,發生這個那個,結果這個那個,意外發現這個那個嗎!?



但對馬修來說,他只想要一個安全的旅程。



當一則故事沒有時間壓力,角色就會「花時間」換到安全,而不會選擇去冒險。但冒險,往往才是戲劇最精彩的部分。



只要角色有時間,他可以等到自己更成熟再說。



只要角色有時間,他可以等到自己準備更充分再說。



只要角色有時間,他可以等到時機成熟再說。



所以你必須做個抉擇,是要當個無聊的老好人,還是要當個壞壞的編劇?



沒時間了。角色就是必須在最糟糕的人格狀態、最措手不及的情況、最壞的時機點,被迫面對人生最大的挑戰。



現代觀眾和古代羅馬競技場邊的觀眾沒有兩樣,他們要的就是最殘酷的對決、最痛苦的掙扎以及,最輝煌的勝利。



如果你生性愛好和平怎麼辦?



沒關係,就是寫出來難看一點而已。



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皮克斯故事技巧22之8──即使故事未臻完美也就此結束

皮克斯故事技巧  


即使故事未臻完美也就此結束。完美結局存在於理想中,你得向前走,下次再做得更好。


 


這是所有編劇心中的結,卻是所有編劇要不斷往前更好必經的關卡──你必須接受自己還不夠好。


 


在這個資訊發達的時代,我們在成長過程中就會接觸到很多的影視作品,所以我們的眼光其實成長得很快,再加上我們要接觸一些評論和教學都相對的容易,在似懂非懂的情況下,無意中就培養了一些審美標準與想法。


 


這是好事,不是壞事。


 


但想法成長得快,手上功夫的練習沒有跟上,就會很容易變得眼高手低。眼高手低還不打緊,因為成長的過程中一定會面對批評指教(再好的作品都有人批評),但如果因為眼高手低,就停止繼續創作、繼續練習、繼續精進,就是一個很大的問題。


 


任何專業,都應該投入1萬小時的練習才會變成專家,而且這1萬小時應該是不斷向上挑戰的過程。


 


完成一部作品,不,完成十部甚至上百部的失敗作品,都是換來一部成功作品值得付出的代價。


 


所以,接受不完美的自己吧,因為一部完結的作品,就是一個里程碑,代表你在創作的路上已經走到了哪裡。


 


大師也無法保證自己每次出手都是傑作,一部作品無法用來決定或否定你的創作水平,唯有你自己的不斷成長,才是最最真實的部分。


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皮克斯故事技巧22之7──先思考故事的結局,再考慮過程和發展

 


先思考故事的結局,再考慮過程和發展。




這就好像一場賽跑,如果不知道終點,你就沒辦法起步一樣。



這個道理多數人都懂,但願意這樣做的人卻不多。而願意做的,又常把這件事想得太簡單。



說真的,結局部分是最難的,所以在一開始就得先細膩規畫。




很多人在設定結局時,只告訴自己,嗯,我要歡樂的大結局,嗯,我要一個悲苦的結局,



但問到為什麼這樣設計,卻又說不出個所以然。



而且同樣的大圓滿結局,不同的圓滿方式,不同的圓滿過程,都是應該思考的。



因為主角從開始到結局的變化與下場,會決定故事帶給觀眾的感受與啟示,



主角最後確實得到了幸福,但是是透過個人努力?因緣巧合?眾人合作?犧牲了其他重要東西?那個幸福,最終是他想要的嗎?



你在說故事時,應該去思考自己講故事的初衷,想讓故事帶給觀眾的啟示和溫度。



當你把這件事情想清楚了,角色、情節、方向,有時就會水到渠成了。



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為什麼油價跌,會導致國際股巿下跌?

又派出了經典柯南葛格來解謎啦~~  

這張圖真是萬用啊~~乾脆每篇文章都放這張圖好了(誤)



身為編劇,對於生活大小事可不能脫節,小農對於最近這則新聞感到非常的困惑,就是標題所問的問題呀~~



股巿反應的是巿場對於各公司賺不賺錢的期待,照理來說,油價大跌,不是應該公司成本下降,獲利上升嗎?怎麼反而投資人失去信心,紛紛退場呢?



小農稍稍的探究一下,發現原來案情並不單調,原來在公司成本下降的背後,隱藏著不可告人的殺機....(喂~~什麼跟什麼呀)



既然已經做了一點功課,就和大家分享一下導致這個現象的來龍去脈。



熟悉舊電影的朋友,一定對於俄羅斯這個國家並不陌生,它就是美帝的頭號對手,共產主義的巢穴,萬惡的敵人。但事過境遷,國際情勢改變,俄國就變成了一個大家熟悉又陌生的國度。



10幾年前,俄國強人普欽上任,將經濟陷入谷底的俄羅斯救了回來,俄國經濟起飛,每個國民賺的錢都增加甚至翻倍了,這10多年的執政替他累積的人氣甚至將他推升到全球最得民心領袖的地位。



而幫助俄羅斯起飛的,正是俄國境內盛產的石油。有多盛產?阿拉伯國家第一,俄國第二,夠煤老闆了吧?



在過去石油資源獨霸的時代,俄國就像是個土豪,基本上不用做什麼就有錢賺,所以雖然國家富有了,但本土的產業卻很弱,這就好像富二代(大自然是他的富爸爸),在老爸有錢時可以吃香喝辣,一但老爸垮台,哼哼......怪自己不爭氣也來不及了。



所以當美國開發出頁岩油,漸漸取代了石油的地位,掌握住了油價的發話權時,油價一落千丈(背後複雜的原因與政治操作不是本文重點,就按下不表),俄國的富爸爸馬上貶值,俄國這個富二代也跟著要完蛋,俄國一完蛋,俄國的貨幣盧布馬上變得沒人要(因為如果俄國破產,盧布就變成廢紙了),匯率一口氣掉了77%。77%是什麼概念?就是昨天100塊的麥當勞,今天要吃變成177塊了,所有俄國人的薪水瞬間少了將近一半,22K變11K。



更慘的是,在富二代得意的時候,到處交了不少朋友,也和這些朋友做起生意來。這些朋友來自全世界,看好俄國當時的財大氣粗,借錢的借錢,合作的合作,結果現在俄國面臨跳票危機,有和俄國做生意的公司都因為匯率的爆跌損失慘重,因為原本說好要賺100塊的,現在這100塊只值30塊,所有獲利馬上縮水只剩三分之一。據傳BMW第四季獲利因為俄國的情勢,縮水了1.5億歐元,這是僅僅一間公司的虧損,所有和俄國合作的公司加起來,這個蒸發的數字超乎想像。



這便是全國股巿大跌的原因。其實在現代社會這樣國際化的結構裡,任何一個國家政體發生狀況,都會對全球經濟造成衝擊。如2008年的金融危機,起因也是泰國經濟受國際熱錢流動的影響,帶動了其他連動的金融結構,簡直與蝴蝶效應差不多。



有時設身處地想想,這樣的事還滿可怕的。如果小農剛好是在某個中小型的汽車零件廠上班,還正為油價下跌加油都不會超過1000塊沾沾自喜,公司卻因為油價下降而突然倒閉,我應該會崩潰得莫名其妙吧。上班族有時明明什麼錯都沒有犯,卻必須可能遇到很大的變故,還是自由一點的工作與生活形態好一些?

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再探《大英雄天團》,杯麵的多重功能

杯麵好療癒呀~  

看過《大英雄天團》的人,想必都被杯麵的療癒能量給迷住了吧?



其實站在編劇的角度,杯麵真的是一個神奇的角色,因為它在片中同時發揮了許多功能,讓人嘆為觀止。



首先,杯麵它是主角,是《大英雄天團》的頭號超級英雄,能文能武,與阿廣形成一對好搭檔,阿廣用意念帶動劇情,杯麵靠能力推動劇情(幾乎阿廣想幹嘛,都靠改造杯麵完成XD)。



再來,杯麵是個象徵,因為它是阿廣的哥哥留下來的遺作,所以成了阿廣哥哥的替身,代替哥哥守護阿廣。



並且,杯麵還因為和阿廣之間的互動,擁有了第二層的象徵:它是阿廣身心靈成長的象徵,杯麵與阿廣的成長是同步的,阿廣每成長一點,想突破一點,杯麵就會升級一些。



最後,杯麵也是阿廣的導師。許多作品中主角都會有一個導師,在主角陷入困境時點醒他,而杯麵在《大英雄天團》中就是扮演這樣的角色。



你看看你看看,一個杯麵四種口味(咦?),難怪其他角色的戲份明顯減少,因為能扮演的位置都讓它佔光了~

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