編劇、導演、演員的任務區隔


編劇在劇本上必須將畫面的描述到什麼程度,而不會過度指導演員,以及干擾導演,又可以把編劇心中真正的想法完整呈現?
要回答這個問題,就必須好好認識導演、演員、編劇的任務區隔做充分的認識,才會更清楚知道該怎麼拿捏劇本裡的描寫。

這裡的任務區隔,不是技術上的說,演員負責演戲、編劇負責劇本、導演是總舵手這樣的概念。我更想和大家聊聊,這三者的專業在「說故事」這件事上,到底各自扮演什麼樣的位置。

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在日常生活中,如何培養編劇(說故事)的能力?


最近遇上兩個疑問,一人問每天應該如何規劃時間練習編劇,該如何自我督促?另一人問到如何在日常生活中培養進步。我覺得這兩個問題有點像,所以今天就一起來聊聊關於編劇能力的培養。

編劇的能力,其實主要有五個方面的培養,分別為故事結構、人生體悟、人性行為、美學思維與市場觀察。

結構指的是「東西組合的方式」,故事結構談的便是「如何組合會產生戲劇效果」,你也可以把它視為敘事技巧。大多數的編劇書、理論都在處理這個部分,教你故事應該具有哪些要素、怎麼說故事才最有戲劇張力、如何利用場景與場景的連結性創造出弦外之音等等(例如同樣是同學會,一開始熱鬧非凡,戲到了後半又一次同學會,變得零零星星,雖然大家在活動中還是談笑風生,但寂寥的感覺便會油然而生)。
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如何加強你的文字表達能力?


很多人想從事文字創作,但卻覺得力不從心,因為雖然腦中有畫面,但要實際落實到筆上時,卻覺得困難重重,言不及義。究竟,我們該如何才能提升自己的文字表達能力呢?
會遇上這樣的問題,首先,你腦中的詞𢑥可能不足。

如果你把文字創作想像成一道菜,詞𢑥便是你的食材庫。我們常說巧婦難為無米之炊,沒有食材,再厲害的廚師能做的料理也很有限。

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【差異比較】如何判斷寫作內容適合寫成小說、劇本,還是漫畫呢?

我們是在瞭解這些載體本身的條件後,去把內容發展成適合載體的樣子


【學員原問題】:怎麼判斷什麼內容適合什麼載體(小說、劇本、漫畫⋯⋯)?它們之間有什麼差異需要留意呢?

        我是一個充滿愛的人,所以說到最後與其去區別什麼內容適合什麼載體,我更傾向去瞭解一個你喜愛的載體,理解這個載體的特性和它說故事的方式,比去判斷什麼內容適合什麼更重要。

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【疑難雜症】角色、主旨、情節,究竟要先決定哪一個呢?

戲劇是「有機的」的意思,就像人體的平衡,牽一髮便可能動全身。

        這張圖是我為了讓學員瞭解幾個劇本發想中的基本元素,想呈現角色、主旨、情節之間的互動關係而做的,當你調整了情節,便有可能影響角色或主旨,而當你調整了主旨,角色和情節勢必也要跟著調動,這便是我常說戲劇是「有機的」的意思,就像人體的平衡,牽一髮便可能動全身。

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【疑難雜症】老師練功的過程?如何成為厲害的編劇?

其實編劇是很機械化的工作,它的嚴謹程度就像繪畫的透視法、調色與構圖一樣,是無法「天馬行空」的。

今天的學員提問讓我覺得有些羞恥,根本就是蓄意要我背負罵名,原文轉載如下:請問老師練功的過程,如何成為像老師一樣厲害的編劇呢?

可能是我在作業註記時提供了豐富的細節,或是在課堂上即興用學生丟出來的元素現場寫出故事,才使你產生了「老師真厲害」的錯覺,但這一切都是錯覺,假的,不過是編劇產業業障重罷了。

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【改編討論】如何改編現有的小說變成劇本?

無論你戲的起源是來自自己的腦袋還是現有的小說,你應該把它視為完全獨立的存在。


        這是一個相當大的提問,或許可以開一門課來討論這件事。請把握一個原則,觀眾其實並不在乎你的戲是原創或改編的,他只在乎戲好不好看,所以無論你戲的起源是來自自己的腦袋還是現有的小說,你應該把它視為完全獨立的存在,既使沒看過原著小說的人,也能享受你作品的樂趣,並且覺得它是一部好戲,是最重要的。
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【疑難雜症】角色設計的細節在劇本上是否需要鉅細靡遺?

關於角色的動作、穿著等設計,到底需要到多細節呢?



【學員原問題】人物設計上,動作對白外,人物的穿著打扮也是編劇要特別標清嗎?刻意強調某種動作(生活習慣)會有幫助人物的鮮明度嗎?或者其實可以去掉並不影響?例如強迫症患者,在劇本上刻意一直強調「洗手」,會有助於觀眾的投入,或只會引起反感?

        每個編劇都有每個編劇的風格,有些大而化之,有些控制慾很強,這個業界沒有一定的標準。而我是實用主義者,以我的觀念,服裝、動作等等需不需要標明,還是回歸到「必不必要」這件事上。

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